曹郁：“诗意·写实” 谈我的影像风格
第二讲｜摄影机也是演员－《南京！南京！》真实感的形成



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当陆川告诉我拍《南京！南京！》或者《南京大屠杀》的时候，那时候不叫《南京！南京！》，我们都觉得很兴奋，因为这是一个很史诗的题材。我们开始筹划这个，后来有一些别的干扰，等到2007年的时候，我们正式开始拍这个戏，先让大家看一下，有一个感觉吧。

大家看到这是一个场面很大的电影，当年花了八千万的制作费，所以绝对是一个大成本的电影，因为它是在2007年时候的八千万，比我们现在《鬼吹灯》1个多亿其实还要高。

这个东西这么大的一个命题，对于导演对于摄影师来说，困难其实都很强，怎么能表现，用什么方法表现，我们也是找了很久。直到我们去看到抗俘馆的时候，完全被震惊了。 是什么让我们震惊了呢？它里面放了很多照片，这些照片是日本人枪决他们之前给他们拍的。这些人的表情完全把我们震惊了，因为，他那个目光非常非常的坚定。 当时就被震惊了，因为整个这个博物馆里全部都是大的照片，很大的照片房。我当时想，我说我们能不能把这个电影拍成黑白的，很明显，黑白电影有一种精神提纯的作用，这也是为什么很多肖像，黑白的比彩色的耐看的原因。因为他把色彩去掉了，当把色彩去掉的时候，说白了就变得抽象了，因为它不再是眼睛看到，眼睛里是不可能看到黑白的影像，所以自然有一种精神提纯的作用，这种精神提纯的作用，非常适合于拍《南京！南京！》。第一，它是历史题材，第二你主要拍的是人物，别的东西就都不会形成一种干扰。当然在这里也有一些私心杂念， 比如说《辛德勒的名单》就是黑白的， 咱们是不是在学《辛德勒的名单》。但是抛去这些私心杂念，你会发现它确实很适合用黑白来拍摄。

第二个，只有黑白肯定是不够的，我们有八千万投资，我们应该怎么拍？这里面其实说白了就是一个视点选择问题。所以我们最后正式的试片的时候，就用过这种方式，就是肩扛摄影，然后用广角镜头，像罗伯特卡帕（二十世纪最著名的战地摄影记者之一）一样，他那时候用莱卡35镜头，换算成电影的可能27、25什么的。这是我们的主镜头，他拍照片的时候肯定是跟着战士同时在跑，所以我们也是这样在跑，又遇到这样一个问题，光线怎么处理？当时我跟陆川有一个争论，他希望是完全的记录，就像报纸的那种感觉，然后我就希望有一种不一样的黑白，当时我们就试了很多种黑白的胶片，所以那时候我们们选择了一个折中的办法，有点像罗伯特弗兰克（20世纪美国摄影大师）的那种黑白的反差是比较柔和的。

在这里面我其实想说一个东西，黑白其实可以产生色彩感的，其实它就是靠反差和颗粒，越强的反差，越强的颗粒感，越锐利，越接近于彩色电影里的冷色调。反过来，越柔和的、越细颗粒的越接近于暖色调给人一种温暖感。所以我们在《南京！南京！》里面，一般情况下，我们都是用一个MP镜头，这个大家可能知道，MP镜头拍摄非常锐利的镜头，最锐利的镜头。但是我们除了有一段角川去找慰安妇，他们有一段也不是叫爱情，一种很奇怪的情感，在描述这个情感的时候，也是角川这个主角唯一觉得很温暖的时刻，我们故意换成库克，你也知道库克S4的镜头，那个镜头是非常柔和的一个镜头，所以会产生不一样的反差感。

这种拍摄实际上我们俩人都没尝试过， 最终我们还是采取了一个即兴的方式。就是这场戏由陆川先来安排演员来排练，我来架设灯光，架设出灯光以后，有一个气氛。然后我就在这看着他拍，拍完以后，直接把摄像机扛上然后就拍了，拍完了一条，完整的把这个戏拍下来，如果有些不是特别理想的时候，我们要再拍一条，又是完整的把它拍下来。所以对摄影师要求其实是非常非常高，因为它完全完全即兴，对所有的工作人员要求都非常高。包括焦点员，我们焦点员非常非常棒，因为我们几乎是用最大光孔拍摄的，如果你们拍过你们都知道，焦点是非常难跟的，而且是即兴拍摄，地上没有这种记号，只有一个大概的位置，只知道演员大概会坐下站起来，至于到什么位置，你并不清楚。那么这时候，就需要你做出很多即兴的反应。

我在这说摄影机也是演员，为什么是演员呢？因为在《可可西里》的时候实际上你看不到太多的摄影机的感觉，你只是看演员在表演。这是大部分好莱坞电影或者是商业电影需要的一种东西。不要看到摄影师，只看到演员故事。但是在这个戏里面，你强烈的感觉到摄影机的存在。基本上每天都是做一个360度的三围的运动，你扛着摄影机，根据你的情感的需求度，一会儿靠近他，一会儿远离他，一会儿高一点，一会儿低一点。然后，就是摄影机完全表达出自己的态度。

先给大家放一个片断，日本人第一次进入到一个教堂，他发现有很多中国的伤兵和中国的难民藏在里面，其实他们作为一个男主角，他是非常恐慌的站在一个异国的人群当中。如果按照《可可西里》的方式，那他就是只要表演就可以了。但是，这里面摄影机和光线都参与到了，他有情绪的塑造，跟《可可西里》的反差很大。大家可以先看一下。（《南京！南京！》片断一）

大家看到这个片断应该感觉和《可可西里》是完全不一样，它非常强的主观性。包括摄影机围绕人的那种旋转，镜头的这种眩光都突出了他这个情绪。这也是我们当时想达到的效果，让观众有一种身临其境的感觉。当时我记得我跟他们说，我特别希望感觉你是日本队伍或者是中国队伍看剧情其中的一个人。感觉就像你跟随在他们身边一样，是这种感受。

另外大家可以看到我们的镜头其实是非常锐利的，比《可可西里》要锐利很多。当时也是为了制造这种真实感。就是说我希望这个人物观众在看的时候，能感觉人清晰到，好象从萤幕上走下来，有这样一种感受。所以用了一种最锐利的镜头来拍摄。大概这是一个影片总体的一个摄影处理的办法。

我想重点介绍一下打仗是怎么拍的。我觉得《南京！南京！》的巷战应该是国产电影里水平最高的，这一点我也很有自信。但是在最初的时候，我们是很茫然的，因为没有拍过打仗的戏。也是第一次见到烟火师是怎么一回事。我们就试拍了一下，发现总觉得那么像现在很多国产戏那么假，为什么？后来我就去研究《拯救大兵瑞恩》，为什么他们拍的那么像真的呢？后来我就发现了一个规律，我相信你们都看过《拯救大兵瑞恩》，印象中他应该是一个分切特别碎的电影剪切特别多那个意思，但是实际上《拯救大兵瑞恩》大部分是通过长镜头来构成的。正因为它是长镜头的，但是因为人物运动的速度特别快，然后方向也特别多。他会给你感觉似乎是分切的，但是其实并不是，所以他第一有一种连贯感。但是仅仅有连贯感是不够的。最后发现其实这种战斗的场面，要想产生真实感，最重要的点是你要在一个镜头里，一个画框里产生因果关系，简单说你在一个画面里拍“嗙”我开一枪对面这个人就倒下了，你在一个镜头里拍到这个的时候，如果烟火没有问题，它就会像真的。而大部分电影在拍的时候，尤其是国产的一些电影，他会先拍你“嗙”开了一枪，再拍那边倒了。《拯救大兵瑞恩》就非常好的掌握了这一点，它绝对把因果关系，基本上绝大部分镜头都会在同一个镜头里，同一个取景框里表达出来，所以你觉得非常的真实。

掌握了这两点以后，我们就开始了一个在《南京！南京！》里面的一个段落，我们也拍了20天在天津。在拍得时候，全都是连贯拍摄的。按常规的拍，最后剪辑的时候把它切开了，拍的时候全部是连贯的，而且基本上遵循那种，在一个画框里的时候，表达因果的关系。非常非常的艰难。因为我们都没想到，布一个炸点就需要三个小时，一次没炸好又需要三个小时。然后，这个时候组内就很焦虑，觉得这一段怎么也拍不过去了。对这块我们用了后来也用了最多的摄影机，用了四个摄影机，藏在不同的地方，然后当需要拍一个连贯的长镜头的时候，你很容易拍穿帮，但是呢不用多机位你又拍不完，那怎么办？你必须核对这个炸点去布，我们就采取了一个接力的办法。第一段镜头拍到这的时候最完美，比如拍到墙边上，第一台摄影机就停了，第二个摄影机继续拍，再拍到另外一个地方，第二台摄影机再停，再换第三台摄影机。同步的我们就分成了大概三到四个小组，每个小组拍自己的镜头。在这里面，其实我也特别想讲一个团队的概念，这个团队的潜能是非常强的。这里面说白了是有三到四个摄影师拍的，一个摄影师没有一个好的团队，他是不可能做一个好的摄影指导的。

我们其实拍《南京！南京！》主要用了三个镜头，一个75拍非常近的特写，40拍到正常的特写，27镜头是一个主镜头。所有爆炸产生的颗粒都非常的清晰，这个必须要收快门才达到。另外还有一个，和烟火的配合。以前老的我们用的也是八一厂烟火，不是什么韩国人。他们最擅长的就是嘣一大火球就出来了。然后，我们跟他争论，他仍的是一个手榴弹，不会产生一个大火球，所以我们首先是跟烟火沟通这些事，决定我们不要国产电影里面的大火球，要炸出颗粒感。所以他们后来也试了很多种方法，现在看效果还是挺好的，用了很多气爆，当然还有土招，也有TNT什么的。最终把大火球解决了，产生的是真正的颗粒感和碎砖石的效果，这一点是很大的变化。

另外，从黑白影像上说，在这里面，其实大家会看到很多的土，基本上每天拍完了，我们早上出去是谁，晚上回来基本上认不出来了。但是炸什么样的土，对于黑白电影来说也很重要，因为它是一个影调的控制。你在这种环境里是不可能用任何灯光设备的，那是不可能靠的近的，怎么调节反差呢？你看背景里很多时候是有烟的。如果画面反差差一点意思，我就会让他放黑烟多点黑的部分，如果天太黑了，我们就让他放点白的烟，让画面高光亮一点。像这些其实都是非常有用的经验。

而且在这部戏里面大家看到还是很真实的。这个真实也是我特别想说的，不仅在于导演对这个品质的要求和资料的研究上面，很多也在于导演摄影师美术师的配合。我们希望拍的东西有质感。那好什么东西有质感？在摄影机记录完了以后，经过DI处理，变成黑白的输出胶片，什么叫有质感，很简单的一个东西，比如说血，大伙都觉得，比如眼睛看化妆师化了一个血，你觉得很像。可是如果你们有机会去拍黑白片，就会有这种感觉，一个人满脸都是血看着特别可怕，可是你拍出来以后，你会觉得他脸上充满了泥水，它只是像泥水糊了一脸，不像血，因为红颜色在黑白里面只是一种深灰色。它就很像墨水涂在脸上，所以我们最后血已经变成黑红的颜色，搀了别的东西，你用眼睛看，已经觉得极其可怕，极其假的程度，他在电影里拍出来的时候，在黑白电影里拍出来的时候，是非常真实的，你想象中血应该有的粘稠度和那种灰度。我想给大家说的意思就是说，如果你想拍一个你的作品，你必须用心到这个程度，这是第一。第二，导演、摄影、美术三位一体，这三个人必须能够完美的融合在一起，而且导演要说服制片人，让你们这么去花钱，天天去做测试，那时候胶片是要钱，它不像现在数字不要钱，同时美术师也愿意给你做这些测试，所以美术师和导演和摄影师配合是最重要的，所以才会产生这么真实的一个效果。

放这段意思呢一个是让大家看到烟雾起到的作用，另外一个这个比较接近我们拍摄时候长镜头的速度，没有太经过剪辑的这样一个感觉。然后放一段戏也是《金陵十三钗》后来拍的那段，在教堂里面有很多妓女，自愿去当慰安妇的这么一个戏。在这块为什么专门给大家放这块呢？是因为黑白片里面，我希望的还是那句话，不是简单的写实，需要有精神感，精神感在黑白里面当然是通过光影才能实现出来的。特别是通过高光的感觉。那在这里面大家能看到，教堂里有很多光束照进来，然后她在举手的时候，手是在很圣洁的光里面。在这里面，有一个很难的地方，第一个是人很多，我们需要用多机来拍摄，大概用五台摄影机拍。另外一个最难的一点是这个教堂的外面，他是在天津的市区，外面是两个玻璃的商业楼，这两个楼正好在南面。那也就说你想拍这种效果只能每天11点到1点，其他时间这个教堂也是没有这个光束的。这里面实际上也是非常不容易的，就是导演和摄影的配合。因为我们这个教堂的戏，整个教堂部分也拍了大概十天左右，他是每天把这个举手的这段戏安排在这个点，我们拍到1点钟，另外这里面还有一些混合的镜头是晚上拍摄的，实际上我们有非常多的灯拍日景的感觉，最后完成效果还不错，基本上是看不出来的。（《南京！南京！》教堂场景）

他这个情感不仅在于除了内容和音乐，摄影也是在表达自己的情感，同时用光很圣洁的，我自己也喜欢有一个镜头，那个手举在光束里，光束里全部是颗粒灰尘的感觉，非常美的一种东西。所以我觉得作为一个摄影师必须得有态度的。有很多人会以为，比如纪录片没有态度，其实是不可能的，这就是不可回避的一个东西。在这里面实际上我们费了那么大劲，每天调整剧组的工作时间，来安排，就是因为我们想表达一种情感。利用光来表达情感，我相信大家也都能够感受到。

我给大家放一个我们的拍摄花絮，我想让大家看的有两个事，第一个是摄影机跟人的距离。你们会发现摄影机离人都很近，这也决定了这个电影很真实的那种东西。第二个是我们是双机位来拍摄的。第三个，不管是我拍还是另外一个赫雷拍，身体都是随着演员的表演在调整。所以才会形成那种亲密的感觉。（花絮）

大概就是这个样子。其实要看的主要一个感觉就是想说明，我的这个标题，就是说摄影机也是一个演员，大家可以看到那个摄影机，完全自由的在演员身边，跟着他一起呼吸他的节奏在运动，跟着他的情绪的节奏在运动，然后你的情感，大部分是通过摄影机的视角来表达，有些时候是通过光线的感受来表达。又是一次非常特殊的体验，也是一个很过瘾的一次拍摄的经历。

接下来请看下一讲：（三）诗意的写实：《鬼吹灯》 商业电影中的自我表达