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       直到20 世纪30 年代，在全世界大多数商业电影制片中，连续性系统仍是标准的剪辑方法。但随着年代更替，剪辑方式也经历了某些改变。当今的剪辑做法在此连续性的原则上，又以个别特定的方式扩展开来。
最明显的是，比起20世纪30耀60 年代，现在主流影片的镜头切换更加快速。当时，一部影片基本上有300耀500 个镜头，但是1960 年之后，切换镜头的步调加快了。现今一部两小时影片可能超过2,000 个镜头，而动作片通常会有3,000 个左右或更多的镜头。在《谍影重重》（TheBourne Supremacy）中，平均一个镜头的时间不到2 秒。场景构成采用个别角色的近距离视角，而不是全景取景，快速剪辑则是导致这个现象的部分原因。定位镜头（establishing shot）变得比较不普及了，只偶尔在场景结束时才出现。能放大脸孔的长距离镜头（telephoto lenses）有助于达成紧贴取景，而现代宽银幕格式则能同时纳入两个或更多的脸部特写。此外，摄影机的移动更加频繁，接连显示一个又一个的细节。
《洛城机密》（L.A. Confidential）的镜头表现出了这几个趋势。艾克利警官在逮捕三名黑人嫌犯之后，准备向他们逼问口供。这个场景才不到一分钟，但就用了9 个镜头，其中两个镜头有摄影机的大幅移动（这部片子共有将近2,000 个镜头，一个镜头平均4 秒）。导演柯蒂斯·汉森（Curtis Hanson）以横向压缩宽银幕来协调整合剪辑，将重点放在几个主要角色之间来回转换，表现出富有深度的近景与中景特写、移焦（rack-focus），以及机动式取景（mobile fram原ing）（图6.111 至图6.122）。








         有趣的是，本片中的演员并没有明显运用手部与身体动作，所有表演几乎完全是脸部表情。为何这种紧凑的连续性剪辑变得如此普遍？　　　　　　　　某些电影史学家认为，这是源自电视的影响。20世纪60年代，电影开始在电视上播放，20 世纪70 年代是以有线电视及卫星传送，而20 世纪80年代与90年代则出现了家庭录像带。当人们在家中银幕上而不是在电影院看电影时，电影制作人便跟着改变制作技术。通过剪辑与摄影机运动，影像持续地变换，可以使观众不至于换台或拿起杂志来看。观众在小银幕上比较容易跟上快速剪辑，而比起容易丧失细节的长镜头，近距离的视角则更加好看。高度连续性的剪辑方式有许多形成因素，例如计算机剪辑的出现，但电视则是主要影响。串蒙太奇段落（montage sequence）（这里的蒙太奇与爱森斯坦的蒙太奇电影理论有别）。以过程中的短暂片段、字幕（比如“1865 年”或“旧金山”）、具代表意义的影像（如埃菲尔铁塔）、新闻影片、报纸头条等等，以叠化手法交叠出现，搭配音乐，将历时长久的事件压缩为数分钟。
20 世纪30 年代的美国电影有些陈腔滥调的蒙太奇，如日历一张张飞掉、印报机转动出一则号外；但高明的剪辑师仍可使这些片段有其精彩之处。节奏明快的帮派电影，如《疤面人》（Scarface）和《愤怒年代》（The Roaring Twenties）中，即有相当多处戏剧化的蒙太奇表现；实验电影作者斯拉夫科·渥卡皮奇（Slavko Vorkapich）则创造了一种抽象、深奥，几乎到了枉妄地步的总结式表现，如股票市场崩盘、政治运动和歌剧演唱者的生涯等等（图6.123）。自此，蒙太奇组串镜头的手法成了叙事电影的主要方式，如《大白鲨（Jaws），以一连串度假者涌入海滩的镜头来交代观光季的开始；在《蜘蛛侠》（Spider-Man）中，彼得·帕克由于受到其爱慕的女孩的启发，画出了向往的英雄装束。这些例子也提醒我们，由于蒙太奇组串手法中往往没有对话，音乐往往成为不可或缺的元素。如《窈窕淑男》（Tootsie），在一首歌曲伴随着一连串的杂志封面出现的过程中，主角就这样一路跃升为肥皂剧的明星了。
简言之，连续性手法运用剪辑上的时间性以达成叙事目的。通过以往的经验，观众知道故事事件会依其时序来剪辑，只在闪回时会有例外的安排。此外，观众认为，剪辑会控制镜头的出现频率；他们还相信，与故事发展不相干的事件会被删除。所有这些认知，让观众可以轻松省力地跟上故事情节。至少，在好莱坞的连续性手法中，是以这些准则来说故事的。如同图形、节奏及空间等元素，时间的安排是为了揭示故事的前因后果，引发观众的好奇、紧张及惊讶。但是在图6.123 在《五月时节》（May Time）中，导演斯拉夫科·渥卡皮奇运用叠印（歌手、乐谱和舞台布幕三重影像相叠）以及快速的剪辑，概括地表达了一位歌剧演唱者的光辉经历。《公民凯恩》中也用到这个片段，利用蒙太奇效果，讽喻苏珊·亚历山大的失败。

连续性剪辑法之外，还有许多可行性，同样值得我们一探究竟。
摘自：《电影艺术》