要逆天的摄影课！《红磨坊》和《巴黎我爱你》的摄影师现场飚打光！
电影打光，我们过去更多地在谈打光结果，而面对实际拍摄，打光思路，或者说产生某种打光思路的思考源头的东西是更核心的。 这是《柯达大师灯光培训班》系列文章的第一篇，是由OH,4K！和107Cine.com联合制作的。感谢听译者： Shirley Jule。
《柯达大师灯光培训班》是澳洲电影电视广播学校组织的摄影棚打光技巧的大师授课，授课的老师是《金刚狼》《纳尼亚传奇》《红磨坊》的摄影指导Don McAlpine以及《巴黎我爱你》的摄影指导Denis Lenoir作为授课老师。最有意思的是作为该校电影摄影系的主席Joseph Damian负责指导演员走位，并指定了这场动作戏中的4个走位。Don和Denis按照自己的打光理解，给学生讲解，他们各自对同一场戏与演员进行了打光剖析，这能让学生们投入于两种不同的打光与场景布置方法。
的确，打光本身没有唯一的方案，不同的摄影师有不同的理解和处理方式。我们今天先看看Don McAlpine是怎么讲的。
这里有这堂课的视频，片子是英文的，我们把里面的重点内容翻译成了中文，写在了下面。
我在这个讲习班的研究方向是打光，我会尝试让学生去分析画面内的灯光构成元素。这个房间有种20年代的时代感。我们先来简单地看看房间的构成。
房间决定了我们为什么一开始要使用35mm，而且我们除了几个特定镜头外，几乎在每个镜头中都用到了它。这个房间由一个环式窗、两扇法式门、和一个打开后能看到走道门的长廊门组成打开前者后能直接回到主房间的楼梯旁。
画面动作由四个镜头叙述完成。那么我们从镜头1开始。
第一个画面从四名演员在桌面玩捉迷藏开始，接着其中两名演员从长廊门出去，并在被遮住眼睛的演员最终在环式窗处绊倒剩下那名演员时穿过那扇走道门，这个镜头的调度包含了情绪起伏，你要同时叙述两个不在主画面内的镜头，这个转折能很快地从提供信息的镜头过渡到故事的剧情部分。因此这种调度方法有了不少优势。
我们以一种更婉转的方式来叙述，起幅先是扣着拍桌面，并且在演员离你越来越远时，你能得到一个非常宽阔的场景，也就是场景建立（Establishing shot）镜头。
那么我们从那位男演员在这里时开始，镜头会从上面拍下去，起幅是桌面。然后当摄像机往后拉到一个适合的高度。
这里需要注意的是镜头拉起来的时候，你的构图必须刚好把演员放在合适的位置，所以，我们必须严格的计算轨道向后运动的距离和臂的高度。一般来说你需要慎重考虑使用摇臂，因为当你开始使用一些如摇臂、肩托或其他一些类似的东西时，除非你能真的十分理性地掌控你的拍摄轨迹。
演员先走位，这个时候我们顶住监视器，看构图，看运动，等场景和运动都确定了，我们开始布光。
1、吊灯下的照度表读数是1.4，我们通过调压器，把吊灯调亮，读数到2。通常我们会把背景处理的暗一些，但是这次是个例外，墙壁上有很多细节，而且整个房间有一些有意思的结构，所以，我希望稍微亮一些，让这些看得更清楚。
2、演员的走位在桌边结束。我们面前的棘手问题是演员在前景得到高强侧光源的可能性有多大？你可以在这个画面外的位置使用一盏300w的小柔光灯，并作为主光源打亮两名演员。与此同时在光源的对面放置一个反光板作为补充光源。
3、为了整体提高房间环境的亮度，我们用一块非常大的挡板反射来自于一盏1000瓦光源的光线。
4、在楼梯附近，他加了一盏千瓦柔光灯。作为辅光源，作为逆光，同时减小场景的反差。然后我们还要在这里放几盏散点光源。
5、调整所有灯的色彩平衡，因为摄影灯具的色温是3200K，而家里的实际钨丝灯光源通常比3200低，所以在灯上加上1/4的CTO（colour temperature orange）。这个时候有学生问，为什么不调整摄影机的色温参数，Don坚持认为所有的颜色都是通过灯光打出来，而不去随意调整机器上的设置。
于是在之后的拍摄里，这些灯光设别就不需要再移动了。后背景墙面的照度被设定在1.4，最后在桌子上的上方吊了一个中国灯笼（Chinese lanterns柔光灯的一种），给桌边的另一个人。桌面的照度被控制在2.0.
当我们看完Don关于这第一个镜头的打光思路之后，我们发现，他的思路是先确立主光，这个场景里的主光是吊灯，然后确定主光的照度，再去确定其他光源。对于其他光源的设计分为两个层面，一底子光要足够 ，二尽可能让人物在调度中始终有主光，副光和逆光，但是他会把这些处理的很柔和，同时用这些光可以参与底子光的组成。另一个特点就是几乎所有的光源都来自摄影棚的高处，尽量不在摄影区域里放灯。把区域控制好，这样拍摄时候就可以更自由。这种布光方式是典型的电影思维方式，一个场景80%的光源是一次到位了，小部分是根据具体镜头调整。对于摄影来说，统一的iso，统一的光圈，后期的时候统一的光号（对现在来说就是同样的后期调色参数，这样的好处就是保持一场戏的高度的连贯性）
PS:老外的这种工作方式是建立在导演准确的确定了演员走位的基础上进行的。所以，为了让摄影灯光部门更高效，更准确的工作，导演需要在最早确定演员的走位。
今天只是第一部分，后面每周会持续放出。
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《柯达大师灯光培训班》是澳洲电影电视广播学校组织的摄影棚打光技巧的大师授课，授课的老师是《金刚狼》《纳尼亚传奇》《红磨坊》的摄影指导Don McAlpine以及《巴黎我爱你》的摄影指导Denis Lenoir作为授课老师。最有意思的是作为该校电影摄影系的主席Joseph Damian负责指导演员走位，并指定了这场动作戏中的4个走位。Don和Denis按照自己的打光理解，给学生讲解，他们各自对同一场戏与演员进行了打光剖析，这能让学生们投入于两种不同的打光与场景布置方法。
的确，打光本身没有唯一的方案，不同的摄影师有不同的理解和处理方式。我们今天先看看Don McAlpine是怎么讲的。
这里有这堂课的视频，片子是英文的，我们把里面的重点内容翻译成了中文，写在了下面。
我在这个讲习班的研究方向是打光，我会尝试让学生去分析画面内的灯光构成元素。这个房间有种20年代的时代感。我们先来简单地看看房间的构成。
房间决定了我们为什么一开始要使用35mm，而且我们除了几个特定镜头外，几乎在每个镜头中都用到了它。这个房间由一个环式窗、两扇法式门、和一个打开后能看到走道门的长廊门组成打开前者后能直接回到主房间的楼梯旁。
画面动作由四个镜头叙述完成。那么我们从镜头1开始。
第一个画面从四名演员在桌面玩捉迷藏开始，接着其中两名演员从长廊门出去，并在被遮住眼睛的演员最终在环式窗处绊倒剩下那名演员时穿过那扇走道门，这个镜头的调度包含了情绪起伏，你要同时叙述两个不在主画面内的镜头，这个转折能很快地从提供信息的镜头过渡到故事的剧情部分。因此这种调度方法有了不少优势。
我们以一种更婉转的方式来叙述，起幅先是扣着拍桌面，并且在演员离你越来越远时，你能得到一个非常宽阔的场景，也就是场景建立（Establishing shot）镜头。
那么我们从那位男演员在这里时开始，镜头会从上面拍下去，起幅是桌面。然后当摄像机往后拉到一个适合的高度。
这里需要注意的是镜头拉起来的时候，你的构图必须刚好把演员放在合适的位置，所以，我们必须严格的计算轨道向后运动的距离和臂的高度。一般来说你需要慎重考虑使用摇臂，因为当你开始使用一些如摇臂、肩托或其他一些类似的东西时，除非你能真的十分理性地掌控你的拍摄轨迹。
演员先走位，这个时候我们顶住监视器，看构图，看运动，等场景和运动都确定了，我们开始布光。
1、吊灯下的照度表读数是1.4，我们通过调压器，把吊灯调亮，读数到2。通常我们会把背景处理的暗一些，但是这次是个例外，墙壁上有很多细节，而且整个房间有一些有意思的结构，所以，我希望稍微亮一些，让这些看得更清楚。
2、演员的走位在桌边结束。我们面前的棘手问题是演员在前景得到高强侧光源的可能性有多大？你可以在这个画面外的位置使用一盏300w的小柔光灯，并作为主光源打亮两名演员。与此同时在光源的对面放置一个反光板作为补充光源。
3、为了整体提高房间环境的亮度，我们用一块非常大的挡板反射来自于一盏1000瓦光源的光线。
4、在楼梯附近，他加了一盏千瓦柔光灯。作为辅光源，作为逆光，同时减小场景的反差。然后我们还要在这里放几盏散点光源。
5、调整所有灯的色彩平衡，因为摄影灯具的色温是3200K，而家里的实际钨丝灯光源通常比3200低，所以在灯上加上1/4的CTO（colour temperature orange）。这个时候有学生问，为什么不调整摄影机的色温参数，Don坚持认为所有的颜色都是通过灯光打出来，而不去随意调整机器上的设置。
于是在之后的拍摄里，这些灯光设别就不需要再移动了。后背景墙面的照度被设定在1.4，最后在桌子上的上方吊了一个中国灯笼（Chinese lanterns柔光灯的一种），给桌边的另一个人。桌面的照度被控制在2.0.
当我们看完Don关于这第一个镜头的打光思路之后，我们发现，他的思路是先确立主光，这个场景里的主光是吊灯，然后确定主光的照度，再去确定其他光源。对于其他光源的设计分为两个层面，一底子光要足够 ，二尽可能让人物在调度中始终有主光，副光和逆光，但是他会把这些处理的很柔和，同时用这些光可以参与底子光的组成。另一个特点就是几乎所有的光源都来自摄影棚的高处，尽量不在摄影区域里放灯。把区域控制好，这样拍摄时候就可以更自由。这种布光方式是典型的电影思维方式，一个场景80%的光源是一次到位了，小部分是根据具体镜头调整。对于摄影来说，统一的iso，统一的光圈，后期的时候统一的光号（对现在来说就是同样的后期调色参数，这样的好处就是保持一场戏的高度的连贯性）
PS:老外的这种工作方式是建立在导演准确的确定了演员走位的基础上进行的。所以，为了让摄影灯光部门更高效，更准确的工作，导演需要在最早确定演员的走位。
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