《疯狂的外星人》是“疯狂系列”十二年来的第三部曲，宁浩执导，集齐了黄渤、沈腾、徐峥。

《疯狂的外星人》是宁浩第一部科幻电影，改编自刘慈欣的小说《乡村教师》，宁浩把小说里的故事概括为“孩子王”闯入了“星球大战”，巨大的差异所带来的荒诞感，是他创作《疯狂的外星人》的基础。宁浩说，现实主义荒诞是他擅长和熟悉的的东西，在他看来，多年来他的作品都不是喜剧，他也完全没有使用喜剧的表现形式去讲故事，只是非常写实地去处理了人在当下的处境，处理好了，自然就达到了很强的喜剧效果。

而《疯狂的外星人》制作过程的艰辛，也远远超过了宁浩的预估。从写故事到拍摄、到特效制作，甚至到后期宣传，都让这位导演疲惫不堪。而在制作中最难的部分他认为就是沟通，“一切都是乱七八糟，他们很难理解我想要的，只能一遍一遍的讲。”因为片中的外星人是纯CG人物，为了最终效果，找到了外国的视效团队。这也是沟通中最为麻烦的一部分，因为语言和文化的问题，外国团队很难理解他要的是什么。为此宁浩只能呆在美国，一遍一遍的去沟通自己想要的效果。所以他也认为，这种大制作电影，是对创作的消解。这意味着导演的自我表达空间让位于电影工业和视觉效果，是反创作的。

当宁浩遇上科幻，他本人也在思考，为什么要拍《疯狂的外星人》？为什么是宁浩拍？这部电影的独特性到底在哪里？就如同作为导演，他同样会思考自己的位置。

宁浩说自己是作者导演，一直在拍的是作者电影。“市场跟创作者是有契约关系的，观众最早接受你不是因为你的爆米花，而是因为你是个作者，但是你突然不当作者了，干爆米花，那你就是不靠谱儿，所以《黄金大劫案》算是我作为导演的转折。”人需要一个慢慢自己认识的过程，而创作也需要。为了找到《疯狂的外星人》的独特性，这场战役打了6年。“我比较注重这个电影怎么样是特别的，我真的是在创作，是真的讲了我们自己的故事。我不想做一个标准产品，标准产品好莱坞电影做的最好，美国人拍美国电影拍的比我好，而我们只学美国电影有什么意思呢？”

在创作上，宁浩注重：本土、创新、有趣，这个本土包括创作形式和表达内容。他认为其创作者只有摸索到了独特性，才能称之为创作。由外致内，只有创造者充分了解自己，对自己忠诚，才有可能做出这些尝试，所以独立思考，是创作者应该具备的基础。

影视工业网：《疯狂的外星人》你一直在强调荒诞性，什么时候认为这个故事一定是要具备荒诞性的？

宁浩：其实原小说就具有荒诞感。《乡村教师》刚开始看的时候，我觉得它特别像“孩子王”闯进了“星球大战”，感觉把这两个电影给粘到一块了，我认为这个特别有意思。所以荒诞感是小说中就有的，这部电影也是从这里开始成长、放大。而我擅长的也是现实主义荒诞，在一种现实中截取荒诞的点。《疯狂的外星人》是看清楚文化本身的荒诞现象，放大不同文化下的冲突，还有我想探讨一个人人皆有价值的命题。

影视工业网：你会注重喜感吗？比如在故事和影像上？

宁浩：其实也没有特别去研究喜感这件事儿，我在拍摄的时候会让摄影机稍微矜持一点，要与被摄体保持距离。《疯狂的外星人》几乎没有特别重的特写，该用特写的时候用，不该用的时候不要用。因为中国自己的影像章法还没有建立，我就遵守了一些传统的规则，比如说轴线意识、景别意识，没有去刻意的乱跳、乱拍，一直保持旁观的敬畏。

在审美上我不喜欢张扬，不喜欢“急赤白脸”的把事儿说完，我喜欢稍微远一点、冷静一点，控制好尺度，只要有趣就行。我一直以来都不觉得我是个在做喜剧的人，我也不太会用喜剧的方式来创作或者拍电影，我都是按现实主义的办法来创作，是非常写实地去处理每个人现在处境的感受。

影视工业网：那你是先有主题还是先有故事？片子的主题是什么时候找到的？

宁浩：我写故事都是形而下开始，就是从戏剧上找到一个事情，根据戏剧成长，把自己交给故事，故事自然会长出它自己的东西。创作过程找的主要是戏剧，找的是故事会往哪发生。主题也会想，来来回回互为表里。不是先去找到主题或先写一个故事。

其实在创作前期会有一个模糊的意识，在故事差不多写完之后，主题也就清楚了。开始在写的时候，我知道这部电影会是一个神经病气质的东西，会给人一个大杂烩的感受。这也是特别下意识的事情，没有理性的想过，就是都奔着这个方向走。创作就是很下意识的过程，它是一个感性的事情，需要一笔一笔去写、去寻找。

影视工业网：你认为《疯狂的外星人》是类型片吗？

宁浩：它是作者电影，我拍的电影都是作者电影。作者电影就是只有你能拍，换个人拍它拍不了。周星驰导演的电影也都是作者电影，其他人拍不出来。但像《变形金刚》、《碟中谍》就不是，谁拍都行，谁拍都一样。

影视工业网：《黄金大劫案》时你说：你认为自己是职业导演，但后面你发现观众对你的期待不太一样，所以对你来说会有影响吗？

宁浩：这是一个人慢慢自己认识的过程，慢慢让自己知道：我是一个什么样的人，做什么东西会得心应手，并且开心。

《黄金大劫案》作为一个产品来说，是合格的类型片，但观众觉得你不能仅仅只拿出一个产品。市场跟创作者是有契约关系的，观众最早接受你不是因为你的爆米花，而是因为你是个作者，但是你突然不当作者了，干爆米花，那你就是不靠谱儿，这算是我作为导演的转折。其实李安也拍过《绿巨人》，他可能也会想自己为什么要干这个活？但是人会有一个逐渐搞清楚的过程，去找到喜欢和擅长讲的东西。

影视工业网：你之前说现在做创作，最重要的事情是创作者要清楚自己的内心？这句话从方法论上怎么解释？

宁浩：了解自己，每个人都应该了解自己。做事之前应该先了解自己，知道自己是怎么想的，很多人都不能真正的了解自己或相信自己，对自己都不真诚。可对自己不真诚，怎么能真诚的去拍戏呢？

很多小孩张嘴就说喜欢艺术片，可明明都看睡了，还非要说自己特别喜欢。大多数人就是这样，人云亦云，没有几个人敢把自己真正的想法说出来。人在一个集体中生活，集体喊什么，自己就喊什么。大多数人就是这样的存在，我们得到的教育都是要听话。而创作者要具备独立思考的能力，这是一个基础。判断清楚自己的内心，才能找到适合自己的方向。其实，一个好的观众也要具备独立判断的能力，电影好不好看，自己去判断。

影视工业网：你每次拍电影，会想超过之前的自己吗？

宁浩：也不是。作者导演很多都是一辈子在拍一种东西，哪能每一个都不一样？偶尔有中间会有发生转变的，但非常少。黑泽明导演转变过，但其他人几乎没有。斯皮尔伯格、昆汀拍的东西都一样，没有什么太明显的转变。转变这个事儿，也不是个人主观能决定的。自己可以决定事情是不干这件事，去拍大片，像盖·里奇就去拍了《大侦探福尔摩斯》，吕克·贝松也去拍了超级大片，这是一个选择。

“疯狂系列”、包括《心花路放》、《无人区》都是作者电影。都是独特角度看待这个世界的问题，也都是解构主义。《心花路放》故事前面构建了两个关系，但到最后也是解构，全部不成立，没有救赎。只是故事的角度不同，出来的东西不同。但是态度都是幻灭的，没什么办法可以解决问题的态度。

影视工业网：在创作过程中，你会注重技巧性吗？

宁浩：我比较注重电影怎样是特别的，是真的在“创作”，是真的讲了我们自己的故事。我不想做一个标准产品，标准产品好莱坞电影做的最好，美国人拍美国电影拍的比我好，而我们只学美国电影有什么意思呢？

我从来没有按照罗伯特·麦基的理论来写故事，其实写故事只要方法有效就好了。中国过去的戏文，也没有学过罗伯特·麦基，不也是有效吗？所以如何有效，就如何创作。罗伯特·麦基所说的那是一种故事，而故事有很多种方式可以成立。

我一直想拍的电影是：这个电影拍出来一定是只有中国人才能拍的电影。千万不要拍出来之后，和好莱坞拍的一样。我是一个中国人在拍电影，而不是一个中国的影迷在拍电影。所以就需要花时间研究故事，故事可能要顺着你进入中国的文化系统，最后那个方向可能会变成需要泡酒，那它就去泡酒。它可能很不规整，很不按照好莱坞的规则走，但是电影的特殊性不就是在这里吗？

影视工业网：“坏猴子72变计划”你提出创作的关键是：本土、创新、有趣。本土是说的本土故事，还是本土的方法？你认为科幻是本土的吗？

宁浩：一切都是本土的，从内容到方式。其实创作方式是带有意识形态的，美国人讲故事的办法是从教堂来的，和他们的宗教系统是一样的。

科幻片不是本土的，但武侠片是。有什么就拍什么，这就是对世界文化的贡献。世界电影人不会认为中国科幻片对世界电影有贡献，但是他们会认为中国武侠片是对世界电影有贡献的。为什么中国人能够拍武侠片？为什么意大利人能够拍《教父》？为什么美国有西部片，其他国家没有？是因为美国有西部大开发的历史，意大利人有黑手党，他们有他们的意识和文化，中国人有中国的文化，所以就是把各自不同的文化贡献给世界。

美国60年代就登月了，所以他们拍科幻片很正常。中国起步晚，随着生活发展的变化，我们生活中科技越来越重，就具备了创作的基础。所以要慢慢来，找到自己的方法，去拍成一个属于你自己、而且非常独特的东西。

像《疯狂的外星人》，必须是一个只有中国人才能拍的故事。如果它是一个外国人也能拍的故事，那就没有独特性，这个故事只能发生在中国，这就是它的特殊性。艺术的特点就是比不同，而不是比相同和标准。艺术不是去比谁画的像梵高或毕加索，而是看谁画的有个性，画出了自己的意识。做的像有什么用？哪怕做到一模一样都不厉害。重要的是你自己做的怎么样，自己完善了没有。其实如果去学别人，学一百年，别人也是冠军，如果去比，一定比的是相声、是京剧，老外做到再好，也是在学，文化自信就是这么回事。而学成一模一样，学来同样的价值观和意识形态，同样的叙事结构，又能怎样呢？要把北京改成好莱坞分场？

影视工业网：《疯狂的外星人》听说之前故事中有情感表达的部分，但是被删掉了？

宁浩：中国是情感需求大国，因为中国人只能信赖情感，所以这也是需要情感的原因吧。但是我不在乎，因为我的电影要说的不是这个事儿。所有人都说要“笑中带泪”，为什么一定要笑中带泪？为什么看完不同的东西，要给观众同样的感受？是可以有不同感受的，越丰富的感受越好，所以我不太喜欢要这个东西，就去掉了。

影视工业网：对你来说，拍电影困难的是哪一部分？

宁浩：拍电影哪有不困难的地方，写故事、拍摄、后期都是不停的去发现“真相”是什么，很难搞。并且之前的经验没有用处，每次面临一个问题，它都是新的，之前的经验没用处，只会带来一些毛病，每次必须重来。

像《疯狂的外星人》拍摄搭景的工程量很大，并且这部电影特效量很多，特效镜头制作也复杂，所以每次都乱七八糟。拍的时候也很难让别人理解你的意思，有时候就没有好办法，只能一遍一遍的做、一遍一遍说。这次做特效，我要去美国当面沟通，因为有很多东西外国人听不懂，他们不理解你的表演情绪，只能画和演给他们。

影视工业网：那你认为工业化制作，对作者电影有帮助吗？

宁浩：作者导演就不要拍工业化电影，要拍工业化电影，就别做作者电影。

工业化把电影本身的温度降了下来，这是反创作的。工业化就是流程化，标准化，这样才快嘛。但有了标准就是产品化，产品化，必然消解作者性质。做雕塑，就得一笔一笔、一刀一刀上手。把它搞成流水线，一个人画形，一个人填颜色，必然会分成三、四个人的意识，那三、四人的意识为了达成统一，必然会出现套路，按照套路制作，最后全变成了套路，这怎么能变成艺术品？必然会成为一个工艺品。我经常看一些美国的大片，会觉得什么都有，但就是没有“人”，因为我看不到一个作者，它没有人情味，说白了就是“标准件”。

在美国也一样，好莱坞的作者导演也不拍工业化电影。而且很多工业化电影几乎都是特效师转导演，或者他非常喜欢、热爱这些才去做。像彼得·杰克逊、詹姆斯·卡梅隆这些导演就是喜欢技术，热爱特效。而且，很少有人能够把作者电影和工业统一的很好，克里斯托弗·诺兰算是统一的不错，这是因为他有很多作者性的办法，比如说他非要坚持用胶片，这也是在对抗工业化的过程。因为他坚持了自己的套路，那所谓好莱坞的工业化在他面前就失效了，只能变回传统的制作。

而且拍摄这种大制作的电影它有很多障碍，所以没有必要。一个作者导演，为什么非要做这么大的制作？对我来说，尝试一下，认识到这是什么就挺好了。