电影制作，旨在引导观众观看故事时的情感反应。摄影机在建立观众与故事的情感联系中扮演重要的角色，不论是气愤、恐惧、幽默还是好奇——有时甚至是困惑。摄影机的位置、如何放置以及这样放置的原因应该一直要为我想要展示故事的情感核心服务。



文章来自《美国电影摄影师杂志》专栏，点击这里查看完整中文版9月刊。

在我多年的教学、讲座、写作有关电影制作的艺术科学的生涯中，我最常被问的一个问题（经常是为了避免尴尬，而在课下问）——就是，“你怎么知道该将摄影机放在哪?”

这并不是一个应该令人感到尴尬的问题。事实上，这是你可以问的最重要的问题之一。

摄影是一种语言，每个镜头都是组成故事的句子。如何为一个镜头构图、将摄影机放在哪里，以及在画面中选择呈现什么——这些是电影语言中的名词、动词、副词和介词。如果你希望让观众理解你的故事，你必须组织好清晰的视觉语言。

梦游者核黄素自学者记忆术暴民。

上面的句子让你困惑吗?是的,因为不论你使用了多么令人印象、深解、华丽词汇，将一连串词语随意组合都是毫无意义的。同样，简单地把一些看似很酷的镜头串在一起也是毫无意义的。你必须良好的组织、架构完整的句子，才能讲述你的故事。

多年来，有很多导演和摄影指导推荐我看一些镜头:“你觉得这个怎么样?它很棒啊!”

“对，”我同意。“这个镜头很漂亮——但是它帮助叙述故事了吗?它描述了角色相关的信息吗?它是如何给这场戏增色的呢?”

“......它只是好看。”

“是的，但这意义不大。”

也有制片人对我说那样的镜头“能保持电影的趣味性和观赏性”！尽管我打心眼里赞成，有时既定的叙事也需要充满动态、场面宏大的摄影镜头，但这从不是一条定则。故事和表演应该有能力保持电影本身的趣味性，否则，再“漂亮”的镜头也无法拯救一部垂死的影片。



下面来看看我每次为了能够最好地完成叙事，寻找拍摄角度时的心路历程。这是基于我十年摄影指导，加十年导演的经验——除此之外还有40年的学习，这些只是我的个人观点，但是我希望这些观点能帮助你们更好地掌握用视觉讲述故事的要领，这样你们便可以自信地放置摄影机。

第一步是理解故事。

对我来说，电影制作旨在引导观众观看故事时的情感反应。摄影机在建立观众与故事的情感联系中扮演重要的角色，不论是气愤、恐惧、幽默还是好奇——有时甚至是困惑。摄影机的位置、如何放置以及这样放置的原因应该一直为我想要展示故事的情感核心服务。

于是，一切都从剧本开始。剧本类型决定了摄影机扮演的角色，浪漫喜剧片和心理惊悚片运用的摄影方法是不同的——所以我们就从这儿开始。这是一部什么样的电影?

下一个重要的问题是，我们要追求客观视角还是主观视角?

客观视角来自中立的第三方——一名仅仅是见证故事展开的公正观察者。如果一场戏中的情感内容特别多，我偏向用客观视角。中立观察谋杀、死亡或者暴力能够真正强化它们呈献给观众的效果。对于一些内容来说，退后一步以摄影机的不眨之眼去记录，和让他们真正身处事发的场景之中，对于观众而言具有同等的情绪感染力。采用客观视角拍摄时通常会将摄影机放置在一定距离外、以全景或者中景景别拍摄，或是与视线平齐，一般来说那是更加中性的位置(多数情况下一开始就放在视平线的位置了)。

另一方面，主观视角是我最常用的。

这个方法能够将观众带入一个或多个角色的情绪中——但一个镜头的确只能体现一个特定的角色。这里，我不是在谈论字面意义的“主观镜头”，即镜头所见即为呈现角色所见之物，尽管这种方法也有自己的用处。相比起“实际所见”的主观视角，此处所提到的主观视角是让摄影机尽可能传达出所呈现角色的主观情感。

所有这些都与拍摄内容以及你对拍摄主观视角的角色情绪的理解有关。大多数情况下，这个角色就成了你的主角，但是这种主角是不停变更的——即便是在一场戏之内。主观视角让我们从视觉上连接了和某个特定角色的想法和情绪。这个角色处于恋爱中吗?那么我们就可能看见来回切换的特写镜头:他的眼睛和她的眼睛，或是他的眼睛和她说话时开合的嘴唇。这个角色正在追求别人吗?那么她注视的焦点可能更多地落在他的身体上，我们可能会看到他的二头肌或腹肌。这个镜头成为了角色的欲望的外化。



主观视角要求摄影机靠近视线——在技术上也被称为180度法则。

两个角色交谈时，他们的眼睛之间产生了一条无形的线，也就是“视线”。摄影机越接近这条线，观众与角色之间就越亲密，互动就越紧密。要记住俗话所说，“眼睛是心灵的窗户”。当你和一个人谈得火热时，你的眼睛会看向何处?你如何判定对方和你心意相连?因为他们正注视着你的眼睛。

我们离眼睛水平线的垂直距离在解读镜头时也同样重要。大多数时候，我们都会在与角色视线平齐的位置拍摄，因为这是最直接的联系。然而有的时候，将摄影机置于视平线上方或下方都有非常重要的意义。在惊悚、沉重的场景中，你可能会选择从角色的视线下方拍摄整场戏。或者，如果你想要在整场戏中强调脆弱性，你可以尝试用相反的方法，将摄影机移至角色视线的上方来削弱演员的力量。

我让年轻的摄影指导和导演去上表演课。一方面是要让他们学着了解如何和演员沟通，但是也是为了将自己带入角色。如果你能够与那些角色共情，并理解任何特殊时刻他们的感觉，你就会很清楚将摄影机放在哪里，很清楚摄影机应该拍摄出什么样的画面。

走位是决定摄影机位置的一个非常重要的因素。“走位、打光、排练和拍摄”的制作范式没有捷径。无论你多么精心地提前计划了镜头，到达场地时，请总是根据整场戏进行排练，并观察演员的表演——接下来就请做好准备，在新的并且更好的想法产生时，即时改变你的计划。

观察演员，他们看向什么地方、向哪里移动。将你自己带入到主要角色在这场戏中的情绪里去。这几乎就已经告诉我将摄影机放在哪里，以及需要添加哪些原计划中没有考虑到的插入镜头。角色的动作和情感，以及演员在排练中下意识移动的去向，这些都会成为摄影机运动的动机。演员排练时，我经常在他们周围走动，设想摄影机的位置，站在演员身后，设想过肩镜头;跟着他们从一个位置移到另一个位置，模拟推轨转场的镜头移动摄影车;蹲下来并意识到如果我在这时仰拍演员，会使他的台词更加有感染力。



空间布局是非常重要的一个考量。空间布局是视觉叙事中所有句子的总体结构。很多导演和摄影指导似乎都忘了这一点，尤其在拍动作片段时。如果观众无法理解他们在场地中身处的位置，这种困惑可能会使他们从故事中分心。

全景有助于确立并促使我们回想起整体的空间布局，而像那种过肩镜头有助于巩固空间布局并提醒我们其他演员在这个空间中的位置。构建空间布局的大多数镜头都是客观的，但也未必总是这样。有时运动镜头有助于构建空间布局:引导角色从一边走到另一边是勾画空间的一种主观方法。让一名中尉怒气冲冲地穿过一群警探走向反派人物就是构建空间布局并进入角色的主观情感的一个好机会。我们并不总是需要景别宽阔的定场镜头，但是清晰的空间感确实可以让我们受益良多，它阐明了你的角色在这个虚拟世界中的位置——也由此确定了观众在那个世界中的位置。

反应镜头是体现一场戏中情绪内容的关键。目击一个角色，尤其是主角，对一个瞬间的反应，有助于告知观众自身应该在情感上如何解读这场戏。史蒂文·斯皮尔伯格是这方面的大师，他能在我们在甚至还不知道角色的反应对象之前，就展现并且传递角色的反应，使之挥之不去。这是一名纯粹主观的电影制作者。

镜头的焦距的选择也在视觉叙事中起着重要作用，它决定了观众和角色之间的距离。用20mm镜头拍摄的特写镜头与用200mm镜头拍摄的特写镜头是大为不同的。对于焦距和镜头离被摄物的相对距离的充分理解——这个话题超出了本文的讨论范围——是你理解将摄影机放在何处的关键。

当然，你也应该研究所有种类的电影。观看并向其他导演和摄影指导学习。即使是现在，在我从事这个行业30多年之后，我还是经常观看并重复其中某一场戏来解构分析每个镜头的拍法。理解其他人的选择有助于我继续优化我拍摄与设计走位的方法。研究自己不喜欢的镜头也非常有用，你能够因此准确发现那些对你无用的事物。

还有就是，一定要试验。在如今这个时代，每个人的手机上都有摄像头，我们没有理由不动手拍摄并学习摄影。选一个物体，从你能想象的尽可能多的视角和角度拍摄它。看看你从每次拍摄学到了什么，并记录下它对你以后的拍摄有什么可能的影响。



最后一点:我发现，在拍摄每部作品的过程中，我都至少会有一个时刻陷入迷茫。日程发生变化，某个意外的问题导致整个计划发生改变，或者时间和资源不允许我们执行已经计划好的拍摄。那我们下一步该怎么办?摄影机该放在哪里?就是在这些时刻，剧组所有成员都看向你，等着你做决定，真是既可怕又费神。

诀窍就是先做个决定，任何决定都行。就把摄影机放在某个地方，尽管这感觉好像很随意。你可能会意识到这完全是个错误的决定，但是当你意识到的时候，你就会知道正确的选择是什么，并且做出相应的调整。实际上，相比起不知所措地愣在那儿，所有人都等着你做决定，眼看着时间和预算都在一点点消逝，说一句“抱歉，我错了，咱们移到这儿来吧”要更好。

记住，心中要故事永远是第一位的，把注意力集中在整个故事的情感核心上，让它们告诉你，如何放置摄影机，以及在哪里放置摄影机。

文章来自《美国电影摄影师杂志》专栏，点击这里查看完整中文版9月刊。