对话密集的场景会拖慢电影的节奏，而正反打镜头能将其拯救出来

什么是正／反打镜头？
在电影制作的头15年左右，正反打镜头还没有被当做一种风格策略来应用；那个时期流行的是所谓的人物场景造型风格，用一个单镜头来表现整个场景。到20世纪10年代后期，它已在美国长片中司空见惯。此后不久，正反打剪接为整个世界所采用。这样的镜头剪辑后会给观众一种影片的连续感，就好像是跟着真实的时间线发生的一样。那么该如何拍？

（卡萨布兰卡）

正反打镜头时，最少要用到两个摄影机。依照轴线原则，摄影机都在180度（虚）线的一边，每个摄影机对准一个演员。最常用的就是过肩镜头，提示角色的存在。

下一个镜头，可以转到另一个过肩镜头作为反应镜头，也可以让第二个演员的景别更小一点。通过使用至少两部摄影机来拍摄同一场表演，剪辑师可以自由地选择剪辑点，也让片子的观感更好。

下面几个案例是对正反打镜头的创造性使用
1. 使用模拟光

《教父》的开场展示了正反打镜头的完美运用。导演科波拉和摄影戈登·威利斯让影片开场笼罩在一片黑暗中。我们听到声音之后，包纳萨拉从黑暗中显现。当他继续说话的时候，镜头再缓慢拉回到过肩镜头交代了教父克里昂。这个变焦长镜头堪称完美，人物所处的空间和近景的教父逐渐显露出来，但仍然是背影，增加了悬念。

包纳萨拉靠近教父克里昂，在他的耳边低语。两个角色在黑暗中几乎充满了整个画框，这暗示了整个对话的本质。——这个开场是个绝佳例子，关于如何运用正反打镜头去建立场景和整个电影的调性。


2. 创造性地拍摄单人对话

在2002年版的《蜘蛛侠》，我们看到诺曼·奥斯本与他的另一面——绿魔对话。导演萨姆·雷米和摄影唐·布吉斯运用镜子这个道具去拍摄由一个演员完成的对话。场景始于奥斯本听到了声音，然后他在镜子里看到了自己——绿魔侠向镜头走来。诺曼再向镜子前走，完成了一个过肩镜头。

摄影机缓慢推进到更小的景别。这样，观众就能意识到奥斯本不止是与自己对话，而是另一面的显现。


3. 移动构图

在《黑暗骑士》的这个画面里，可以得到一个很简单的正／反打镜头。但这个镜头关键在于摄影机的移动。高登和小丑处在阴影之中，随着两人之间的对话越来越紧绷，镜头推进。但摄影机的运动很平滑，暗示着一切仍在控制之中。

一切随着蝙蝠侠的出现改变。一开始是标准的正反打镜头，但镜头开始变得晃动，暗示着开始失控。在镜头的最后一个部分，正反打镜头开始变为手持，变得更加不稳定。伴随着音乐扬起，强调了小丑已经开始全面影响蝙蝠侠。


4.不改变机位的前提下改变景别

《华尔街之狼》是个很疯的电影，这个场景非常具有代表性:乔丹·贝尔福特和马克·汉纳之间的会面。马丁·斯科塞斯创造了一个经典的正反打镜头。他将角色放在镜头的两边，以保持对话的流畅。

但是斯科塞斯在拍摄时做了一些改变。在画面的开头，汉纳的镜头非常广，交代周围环境。然后汉纳向前倾斜，变为近景镜头，没有移动摄影机。这种方法能够保持背景的动作，同时让观众和贝尔福特一样保持在与汉纳相同的距离，保持对话的私密性。


5．有效地运用“荷兰角”

正反打镜头是一个让对话进行下去，并看起来很真实的传统手法，但有时候剧本需要打破常规，特别是在拍《碟中谍》这样的惊悚片。

通过荷兰角，德·帕尔玛反映了伊森·亨特的感觉——他发现一切是个局。这反映了这并非是影片的全知视角，而是亨特的主观视角。让这个正反打镜头更有力度的是，当Kittridge的角度变为正常之后，亨特仍然保持着荷兰角。这是越轴拍摄的很好例子，去捕捉角色的逐渐加剧的情绪和内心的挣扎。

编译／cherry 转载请标明出处“影视工业网”