摄影设备越来越好都不是重点，重点是你要知道在一个好作品里需要哪些摄影基本功！
本文附加了Lindsay Adler的短片和zara广告片，还有一些电影大师（如：库布里克）的具体案例，并从这么多案例中总结一些摄影经验与大家分享，相当有营养。
原文作者：DAVE GEFFIN 译者：林诗钊 转载注明：影视工业网 感谢：）
译自：http://fstoppers.com/to-shoot-better-video-focus-on-photography
想要拍出更好的片子？当然更要专注于摄影！
To Shoot Better Video, Focus on Photography
如今我们每天都被视频包围着。类似“视频中静止画面的减少对未来的摄影意味着什么呢？”这样的言论层出不穷，屡见不鲜。
像这样的讨论当然也是有意义的，但是我总觉得最重要的东西被忽略了。对于一个好的片子，最重要的应该是要有好的画面，而且是静止画面。为了做到这一点，我们必须静下心来，放慢速度来。有时候甚至要稍微停一停。
如果你是一个摄影师，以下的文章将会教你如何拍好静止的画面再从静止画面跨越到运动的画面。如果你已经是一个 ，或者正在和 一起工作，我也希望我的些许经验能够帮助到你。
‘It’s The Gear, Stupid’ VS. ‘It’s The Stupid Gear’“这是摄影装备，笨蛋”vs.“这是笨蛋摄影装备”
有件事是毫无疑问的，过去5年内，摄影装备界里掀起了一场天翻地覆的革命。
不过，每次我看到拍得很差的视频，我都不禁想起以下这句话:
“很多都觉得摄影机和镜头都变得越来越好了。他们的确变得越来越好了。但是，不管他们变得多先进多发达，他们还是一样很笨。他们什么也不懂。他们什么都看不到。他们也无法做出在取景器上做出什么伟大惊人的决定。对于一台摄影机，最重要的其实是他们主人的智慧。”——Zack Arias
摄影装备变得越来越好，让我们越来越省力，我们可以拍的也变得越来越多了。但其实这些都没有太大意义，除非你晓得如何利用这些装备来表达自己的脑中所想。
众所周知，对一个能拍电影又能拍视频的摄影师的需求是越来越高了。对于这个事情，重点在于，你要知道一个好的视频里需要哪些摄影的基本功。
我们很多人（包括我自己）都会忘记这些基本功，因为我们总是从单个的画面出发，然后去拍了很多不好的毫不相干的画面。
这就是摄影的难处，把你想要的画面拍出来视觉化出来，把你不想要的画面排出画框外。我们可能和摄影师一样，会因为拍得太多而有负罪感。我们可能先拍了很多然后再坐下来慢慢挑选，这种“先拍后想”的方法，对于拍视频而言，效率是很低的。
基本的摄影法则会让你有一些掌控感的。
我们该如何重握掌控？
在过去视频甚为繁荣的几年里，我花了些时间，重新思考了：到底是哪些因素造就了好的画面。
为了拍出更好的画面也为了对画面有更深刻的理解，我重读了好多本Michael Freeman的书。他的书很有用，在理论后面总会有些插图，能更好地帮助读者理解。
我花了很多时间和摄影师混在一起，他们懂得如何运用好闪光灯。跟他们在一起我学会了不少。我也对于逐渐喜欢上摆弄灯光了，以前我都不会的。在那之后，每次拍片的时候，一想着要在视频里表达自己的情绪情感，我就会会想到灯光的方向啊灯光的质量的灯光的软硬啊什么的。当然，灯光也让场景变得更赏心悦目起来。所以说，以前是我忽视了灯光。
我还发现，每次我拍片的时候，我脑子都会自动闪过一些可能可以的画面。这时候我脑子就会切成幻灯片模式，一张张看，然后挑出合适的。如果你拍片环境不是那么紧张那么快速的话，我觉得我这个方法挺好用的。
后来我也发现，我这个“脑子自行进行预判”的方法的确是有用极了。这不就跟拍照片是一个道理吗，你看到了某个东西，心里想着怎么把它拍下来，然后你就找了个角度拍下来。这种方法，可以让我们更有掌控感。
下面是我最近拍的片，可以很好地说明这一点。先是我脑子里闪过的画面，或者说我自己预判出的画面，后面是我马上拍出来的画面。
一个决定性的时刻VS很多个决定性的时刻
在做决定的重要时刻却不停左右摇摆，对于一个导演来说相当不好，相当于把片子里的高分辨率画面全部删去了。
下面这个视频讲的是，如果你用一台5K RED Epic和一台Hasselblad在中画幅格式上和视频文件上分别做对比参照会发生什么。这些测试是Patrick Hall和Peter Hurley一起完成的。
Peter用的工作流程有些怪异，但他就是这么做了。对于大多数人，这可能是效率最高的方式了，（至少对现在而言）这可能也是静止画面和运动开始产生分野的地方。这意味着，拍片需要是过硬的摄影技巧和摄影法则的支撑和指导。这些会让你知道，什么时候该用什么样的画面，看看它花了Peter多少时间。他有时在个别镜头上踌躇许久，才知道自己想要的画面究竟是什么样的。即使是对于最好的摄影师，要获得自己心水的镜头，也是需要费些时间的。
Vincent Laforet这些年来一直在说 如何从RED素材中抓取5k 高分辨率的能力。
RED已经有了让电影摄影师拍摄5K画面的一套工作流程。看看下面视频的TIFF文件。
问题在于，多年以来，Vincent一直是纽约时报的摄影师，后来他才转行去拍片的。在拍片奇迹，如果你跟他说过话，你就会发现，他总是在谈论他的镜头啊角度啊用什么镜头啊灯光这些的事情。你看，摄影师的背景帮了他如今的拍片事业一个大忙啊。
甚至连他最近导的MoVI也说明了他摄影师经历的宝贵。在拍这部MoVI的时候，摄影机一直没有停止运动，但是有他摄影的基本功在那，这些似乎对他也不是什么太大的问题。
让我们更仔细地看看这些摄影基本功吧
你想让自己的片子将你带到多远？
当你在思考怎么回答这个问题的时候，先花几分钟来看一下 Lindsay Adler 的这个短片。如果让我挑一个短片来说明摄影技巧的重要性的话，那只会是这一个了。
Aveillan不仅是世界上最受欢迎的广告导演，他还是一名摄影师。
“A Journey”里的摄影技巧。
1.）大师般的对光的理解和掌控
暗淡的光，反射、折射，美妙的日出光和日落光，明暗之间的配合
2.）镜头和选择&不同的镜头是如何影响叙事的
从广角镜到超大广角镜。每一个镜头的选择都有着确切的目的。
3.）画面的构成
有时遵循构图法则，有时则不。但每一个构图都应该是思考过的。决定好什么应该在镜头内，什么应该在镜头外。
4.）把画面填满
在0:25分处，看看风筝和男孩的眼睛是如何填满整个镜头的。小孩的眼睛像是在微笑，很美丽。
5.）创新地运用色彩和纹理
在0:35处，导演想用水的运动来表现出手指间的空气。
6.）遮蔽的视角
烟雾，薄雾，雨滴，特写，耀眼的太阳，阴影，镜头闪耀，失真、模糊，失焦的镜头——这些都引导着我们的注意力。
7.）微小动作的巨大作用
呼气，呼吸，伸展身子，活动手指，睁开眼睛，背对镜头看着某个东西（0:37处）。所有这些小动作，都有着传递情绪的作用。
在广告的127个镜头里，我数了一下，有12个镜头有着摄影机的运动。广告中的力量和情绪，都来自他极少运动的镜头，和同样极少运动的画面。
Aveillan还把这127个镜头剪成了一个167秒的小短片。其实就是那些画面的排列，就像幻灯片那样的。他甚至还把某些地方处理成慢动作（比如，2：06里的女人和2:15到2:20的玩水的男孩）。Aveillan向我们展示了缓慢的镜头，甚至静止的镜头，是多么美多么地能打动人。
这些对我们摄影师又意味着什么呢？
将这些基础摄影基础技巧运用到实际，我们就能让片子更有情感上的冲击力。
先思考这些技巧，再思考如何运动摄影机来完善我们的作品，这样一来，我们就有了从摄影到摄像的跨越。
这个最近的Zara的广告，里面有很多运动的镜头，运用的还是同样的技巧和法则。
好的画面构成，开头的画中画，1:11处的对角线构图，重复的模式，明暗配合，重复的模式，镜头的选择，将背景和前景结合到一起——在这里，运动的镜头的确很多，但你看，首先它有着方才说过的摄影技巧。
我们摄影师该从中借鉴什么呢？
1.）开始思考自己的风格
怎么描述自己的风格呢，你在拍片的时候，你带来了什么不同的东西，你较别人更关注些什么，这就是你的风格。
2.）注意你的基本功
灯光，场景构成，构图，色彩，质感，动作——这对于一个短片来说都至关重要。就算你不拍短片，而是拍的BTS视频或者其他什么，这些因素都会帮你很多。
3.）对于短板，有则改之
如果发觉了自己能力上的短板（比如我之前的对于灯光的把握），你必须赶紧通过学习和练习来进行完善。
4.）把拍片当成在做项目
在拿起摄影机之前，同样在剪辑之前，就应该对最终成片会是怎么样的有个大概。当然，对于每个镜头该怎么样拍摄倒是应该灵活地应对。但是最终效果是怎么样的，应该从一开始就一清二楚。
5.）故事板和分镜头表会助你一臂之力
一个故事板可以提前帮你很多——构图，调度，镜头角度，灯光，镜头的选择，这些都至关重要。尽管我没有多么厉害，但是每次拍片的时候，比如上个星期，我的故事板就帮我事先将画面视觉化出来了。我也因此选择好了焦距长度。
6.）剪辑是大事！
不必说，剪辑是不可缺少的，也是关键至极的。实际上，正是剪辑让画面变成了连贯的故事。你可以请剪辑师帮你，但是你得知道画面是怎么被剪到一起的，你也得告诉别人，你想让这个故事是如何被展现出来的。
“每秒24格”，听起来似乎很多，我倒是发现自己总是会多加一点。剪辑的时候，就感觉整个所有素材是个交响乐团一样，而你是他们的指挥。节奏和模式是剪辑者创造的，剪辑音乐的时候就更是这样了，当然，假使片子里没有音乐或者声音，的剪辑也同样重要。
下面这个我剪辑的短片。它说明了，就算没有声音，通过剪辑，短片也可以有节奏感。我们是在开拍前，在故事板上讨论出来的
7.)想好了再拍
对待开拍键就应该像对待枪的扳机一样。我们大多数都是拍的每秒24格，有时候一个镜头可能长达1分钟。在一个长镜头里，有很多需要排练的，特别是如果有个你很想拍的镜头的话。为了让你轻松点（特别如果你又是剪辑师的话），想清楚了再“扣动扳机”。试着想象你想要的那一个镜头。一旦你知道自己想要什么了，可以以此为目标加以练习。这样一来，对于你的拍摄，你才会一直心中有数。
8.)尽量少拍
如果我是在拍BTS视频的话，我就会把每个镜头控制到不超过15到20秒。（一般我的每个镜头大概都是这个的一半）我想一次就把它拍好，尽管可能会“漏掉”某些重要的东西。对于我来说，这可能是最难的地方，让自己不“回头再拍一次”。但我就是有办法这么做。
最后的忠告：画面的帧率可能会变得越来越快，旧式的东西可能会没落或是被替代什么的，但是最重要的是，好的片子，永远都是要靠强大的摄影技巧来实现。
我们拍了多长的原始素材对于后期的效率是很有关系的。如今我们可以把静止画面从视频从轻而易举地抽出来了，而这其中的静止画面，又是很需要摄影功力的。
风格对于故事的构成是至关重要的。我们自己的风格是什么样的？在不同的短片里应该运用什么样的风格？一些简单的关键词就能定义我们的风格。
对灯光的运用，画面的色彩和质感，故事的模式，这些都能使我们的短片更具内涵，更引人共鸣。运用这些，使自己风格化起来，不一定会给你带来更多的客户，但你可以从此更潇洒地发挥。做你想做的东西，会让你做得更好。如此一来，你会变得独特，别人会注意到你，也会欣赏你的作品。
Vincent Laforet能够时常提醒我，不管技术上有多大阻碍，静止画面和运动画面是能够结合起来的。Bruno Aveillan是一个好的范例，他诠释了在短片中镜头的运动只是第二重要的，而最重要的是那些摄影基本功。
最后，我要说库布里克是最好的榜样。他的摄影风格是建立在他早年的摄影师经历之上的。他的构图和场景构成，成就了他标志性的库布里克式电影，毫无瑕疵的调度，标志性的紧张感，心理上的不平衡感。看看下面这个视频，你就懂我意思了。
原文作者：DAVE GEFFIN 译者：林诗钊 转载注明：影视工业网 感谢：）
译自：http://fstoppers.com/to-shoot-better-video-focus-on-photography
想要拍出更好的片子？当然更要专注于摄影！
To Shoot Better Video, Focus on Photography
如今我们每天都被视频包围着。类似“视频中静止画面的减少对未来的摄影意味着什么呢？”这样的言论层出不穷，屡见不鲜。
像这样的讨论当然也是有意义的，但是我总觉得最重要的东西被忽略了。对于一个好的片子，最重要的应该是要有好的画面，而且是静止画面。为了做到这一点，我们必须静下心来，放慢速度来。有时候甚至要稍微停一停。
如果你是一个摄影师，以下的文章将会教你如何拍好静止的画面再从静止画面跨越到运动的画面。如果你已经是一个 ，或者正在和 一起工作，我也希望我的些许经验能够帮助到你。
‘It’s The Gear, Stupid’ VS. ‘It’s The Stupid Gear’“这是摄影装备，笨蛋”vs.“这是笨蛋摄影装备”
有件事是毫无疑问的，过去5年内，摄影装备界里掀起了一场天翻地覆的革命。
不过，每次我看到拍得很差的视频，我都不禁想起以下这句话:
“很多都觉得摄影机和镜头都变得越来越好了。他们的确变得越来越好了。但是，不管他们变得多先进多发达，他们还是一样很笨。他们什么也不懂。他们什么都看不到。他们也无法做出在取景器上做出什么伟大惊人的决定。对于一台摄影机，最重要的其实是他们主人的智慧。”——Zack Arias
摄影装备变得越来越好，让我们越来越省力，我们可以拍的也变得越来越多了。但其实这些都没有太大意义，除非你晓得如何利用这些装备来表达自己的脑中所想。
众所周知，对一个能拍电影又能拍视频的摄影师的需求是越来越高了。对于这个事情，重点在于，你要知道一个好的视频里需要哪些摄影的基本功。
我们很多人（包括我自己）都会忘记这些基本功，因为我们总是从单个的画面出发，然后去拍了很多不好的毫不相干的画面。
这就是摄影的难处，把你想要的画面拍出来视觉化出来，把你不想要的画面排出画框外。我们可能和摄影师一样，会因为拍得太多而有负罪感。我们可能先拍了很多然后再坐下来慢慢挑选，这种“先拍后想”的方法，对于拍视频而言，效率是很低的。
基本的摄影法则会让你有一些掌控感的。
我们该如何重握掌控？
在过去视频甚为繁荣的几年里，我花了些时间，重新思考了：到底是哪些因素造就了好的画面。
为了拍出更好的画面也为了对画面有更深刻的理解，我重读了好多本Michael Freeman的书。他的书很有用，在理论后面总会有些插图，能更好地帮助读者理解。
我还发现，每次我拍片的时候，我脑子都会自动闪过一些可能可以的画面。这时候我脑子就会切成幻灯片模式，一张张看，然后挑出合适的。如果你拍片环境不是那么紧张那么快速的话，我觉得我这个方法挺好用的。
后来我也发现，我这个“脑子自行进行预判”的方法的确是有用极了。这不就跟拍照片是一个道理吗，你看到了某个东西，心里想着怎么把它拍下来，然后你就找了个角度拍下来。这种方法，可以让我们更有掌控感。
下面是我最近拍的片，可以很好地说明这一点。先是我脑子里闪过的画面，或者说我自己预判出的画面，后面是我马上拍出来的画面。
一个决定性的时刻VS很多个决定性的时刻
在做决定的重要时刻却不停左右摇摆，对于一个导演来说相当不好，相当于把片子里的高分辨率画面全部删去了。
下面这个视频讲的是，如果你用一台5K RED Epic和一台Hasselblad在中画幅格式上和视频文件上分别做对比参照会发生什么。这些测试是Patrick Hall和Peter Hurley一起完成的。
Peter用的工作流程有些怪异，但他就是这么做了。对于大多数人，这可能是效率最高的方式了，（至少对现在而言）这可能也是静止画面和运动开始产生分野的地方。这意味着，拍片需要是过硬的摄影技巧和摄影法则的支撑和指导。这些会让你知道，什么时候该用什么样的画面，看看它花了Peter多少时间。他有时在个别镜头上踌躇许久，才知道自己想要的画面究竟是什么样的。即使是对于最好的摄影师，要获得自己心水的镜头，也是需要费些时间的。
Vincent Laforet这些年来一直在说 如何从RED素材中抓取5k 高分辨率的能力。
RED已经有了让电影摄影师拍摄5K画面的一套工作流程。看看下面视频的TIFF文件。
问题在于，多年以来，Vincent一直是纽约时报的摄影师，后来他才转行去拍片的。在拍片奇迹，如果你跟他说过话，你就会发现，他总是在谈论他的镜头啊角度啊用什么镜头啊灯光这些的事情。你看，摄影师的背景帮了他如今的拍片事业一个大忙啊。
甚至连他最近导的MoVI也说明了他摄影师经历的宝贵。在拍这部MoVI的时候，摄影机一直没有停止运动，但是有他摄影的基本功在那，这些似乎对他也不是什么太大的问题。
让我们更仔细地看看这些摄影基本功吧
你想让自己的片子将你带到多远？
当你在思考怎么回答这个问题的时候，先花几分钟来看一下 Lindsay Adler 的这个短片。如果让我挑一个短片来说明摄影技巧的重要性的话，那只会是这一个了。
Aveillan不仅是世界上最受欢迎的广告导演，他还是一名摄影师。
“A Journey”里的摄影技巧。
1.）大师般的对光的理解和掌控
暗淡的光，反射、折射，美妙的日出光和日落光，明暗之间的配合
2.）镜头和选择&不同的镜头是如何影响叙事的
从广角镜到超大广角镜。每一个镜头的选择都有着确切的目的。
3.）画面的构成
有时遵循构图法则，有时则不。但每一个构图都应该是思考过的。决定好什么应该在镜头内，什么应该在镜头外。
4.）把画面填满
在0:25分处，看看风筝和男孩的眼睛是如何填满整个镜头的。小孩的眼睛像是在微笑，很美丽。
5.）创新地运用色彩和纹理
在0:35处，导演想用水的运动来表现出手指间的空气。
6.）遮蔽的视角
烟雾，薄雾，雨滴，特写，耀眼的太阳，阴影，镜头闪耀，失真、模糊，失焦的镜头——这些都引导着我们的注意力。
7.）微小动作的巨大作用
呼气，呼吸，伸展身子，活动手指，睁开眼睛，背对镜头看着某个东西（0:37处）。所有这些小动作，都有着传递情绪的作用。
在广告的127个镜头里，我数了一下，有12个镜头有着摄影机的运动。广告中的力量和情绪，都来自他极少运动的镜头，和同样极少运动的画面。
Aveillan还把这127个镜头剪成了一个167秒的小短片。其实就是那些画面的排列，就像幻灯片那样的。他甚至还把某些地方处理成慢动作（比如，2：06里的女人和2:15到2:20的玩水的男孩）。Aveillan向我们展示了缓慢的镜头，甚至静止的镜头，是多么美多么地能打动人。
这些对我们摄影师又意味着什么呢？
将这些基础摄影基础技巧运用到实际，我们就能让片子更有情感上的冲击力。
先思考这些技巧，再思考如何运动摄影机来完善我们的作品，这样一来，我们就有了从摄影到摄像的跨越。
这个最近的Zara的广告，里面有很多运动的镜头，运用的还是同样的技巧和法则。
好的画面构成，开头的画中画，1:11处的对角线构图，重复的模式，明暗配合，重复的模式，镜头的选择，将背景和前景结合到一起——在这里，运动的镜头的确很多，但你看，首先它有着方才说过的摄影技巧。
我们摄影师该从中借鉴什么呢？
1.）开始思考自己的风格
怎么描述自己的风格呢，你在拍片的时候，你带来了什么不同的东西，你较别人更关注些什么，这就是你的风格。
2.）注意你的基本功
灯光，场景构成，构图，色彩，质感，动作——这对于一个短片来说都至关重要。就算你不拍短片，而是拍的BTS视频或者其他什么，这些因素都会帮你很多。
3.）对于短板，有则改之
如果发觉了自己能力上的短板（比如我之前的对于灯光的把握），你必须赶紧通过学习和练习来进行完善。
4.）把拍片当成在做项目
在拿起摄影机之前，同样在剪辑之前，就应该对最终成片会是怎么样的有个大概。当然，对于每个镜头该怎么样拍摄倒是应该灵活地应对。但是最终效果是怎么样的，应该从一开始就一清二楚。
5.）故事板和分镜头表会助你一臂之力
一个故事板可以提前帮你很多——构图，调度，镜头角度，灯光，镜头的选择，这些都至关重要。尽管我没有多么厉害，但是每次拍片的时候，比如上个星期，我的故事板就帮我事先将画面视觉化出来了。我也因此选择好了焦距长度。
6.）剪辑是大事！
不必说，剪辑是不可缺少的，也是关键至极的。实际上，正是剪辑让画面变成了连贯的故事。你可以请剪辑师帮你，但是你得知道画面是怎么被剪到一起的，你也得告诉别人，你想让这个故事是如何被展现出来的。
“每秒24格”，听起来似乎很多，我倒是发现自己总是会多加一点。剪辑的时候，就感觉整个所有素材是个交响乐团一样，而你是他们的指挥。节奏和模式是剪辑者创造的，剪辑音乐的时候就更是这样了，当然，假使片子里没有音乐或者声音，的剪辑也同样重要。
下面这个我剪辑的短片。它说明了，就算没有声音，通过剪辑，短片也可以有节奏感。我们是在开拍前，在故事板上讨论出来的
7.)想好了再拍
对待开拍键就应该像对待枪的扳机一样。我们大多数都是拍的每秒24格，有时候一个镜头可能长达1分钟。在一个长镜头里，有很多需要排练的，特别是如果有个你很想拍的镜头的话。为了让你轻松点（特别如果你又是剪辑师的话），想清楚了再“扣动扳机”。试着想象你想要的那一个镜头。一旦你知道自己想要什么了，可以以此为目标加以练习。这样一来，对于你的拍摄，你才会一直心中有数。
8.)尽量少拍
如果我是在拍BTS视频的话，我就会把每个镜头控制到不超过15到20秒。（一般我的每个镜头大概都是这个的一半）我想一次就把它拍好，尽管可能会“漏掉”某些重要的东西。对于我来说，这可能是最难的地方，让自己不“回头再拍一次”。但我就是有办法这么做。
最后的忠告：画面的帧率可能会变得越来越快，旧式的东西可能会没落或是被替代什么的，但是最重要的是，好的片子，永远都是要靠强大的摄影技巧来实现。
我们拍了多长的原始素材对于后期的效率是很有关系的。如今我们可以把静止画面从视频从轻而易举地抽出来了，而这其中的静止画面，又是很需要摄影功力的。
风格对于故事的构成是至关重要的。我们自己的风格是什么样的？在不同的短片里应该运用什么样的风格？一些简单的关键词就能定义我们的风格。
对灯光的运用，画面的色彩和质感，故事的模式，这些都能使我们的短片更具内涵，更引人共鸣。运用这些，使自己风格化起来，不一定会给你带来更多的客户，但你可以从此更潇洒地发挥。做你想做的东西，会让你做得更好。如此一来，你会变得独特，别人会注意到你，也会欣赏你的作品。
Vincent Laforet能够时常提醒我，不管技术上有多大阻碍，静止画面和运动画面是能够结合起来的。Bruno Aveillan是一个好的范例，他诠释了在短片中镜头的运动只是第二重要的，而最重要的是那些摄影基本功。
最后，我要说库布里克是最好的榜样。他的摄影风格是建立在他早年的摄影师经历之上的。他的构图和场景构成，成就了他标志性的库布里克式电影，毫无瑕疵的调度，标志性的紧张感，心理上的不平衡感。看看下面这个视频，你就懂我意思了。
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