《夏洛特烦恼》是完美的冲出国庆档的黑马，13亿的票房表现了大家对这么电影的喜爱。电影是视听的表达，除了段子的搞笑，电影的视觉设计也不可忽略，只有都做足了，才能接地气。专访《夏洛特烦恼》的摄影指导孙明，代表作品有：《暖》《秋之白华》《止杀令》《台北飘雪》《夜莺》等。

摄影指导孙明老师
不希望一个喜剧片丧失银幕的视觉魅力
《夏洛特烦恼》拍摄周期两个多月。这次拍摄选用的是ALEXA XT，再加上蔡司的MP镜头（Master Primes德国蔡司公司推出的高速电影镜头系列）来拍的。移动用的德国的panther系列。
这是两位导演第一次进行电影制作，电影的很多镜头设计都是在不断摸索中前进的，我们希望把一个以包袱为主的喜剧片，能够在视觉语言上做得更加的丰富和精彩，让观众在看的时候不仅有包袱的喜剧享受，也有影像的愉悦在里面。比如来说角度的设计，在拍摄过程中，我们不会一直给观众平视的角度，在角度和高度上尽量找一点文章做，从仰拍、俯拍各种角度给予不同视角，这样也可以有各种不同的剪接方式来组成最后的影片。比如开始穿越到教室那场戏的时候，我们设计了一个在脸盆洗脸的镜头，当时是做了一个跟鱼缸一样的东西，放在镜头的前面，夏洛直接把脸浸在水里，增加日常生活不常有的视角。包括把教室窗帘点着之后，也是从不同的角度去拍着火的这个片段，包括从着火的上方设定机位，来增加学校开篇的气氛。

这些动作其实也是考验摄影师的能力，如何在银幕上表现出对于视觉的设计，并且所有的设计和镜头语言又能帮助去叙事，以及推动演员的表演。现在有些电影的影像在银幕上所体现的魅力没有那么强，我们不希望一个喜剧片丧失银幕的视觉魅力，因为银幕不像电视或者电脑，可以随随便便拿一个特写、简单的平光就能糊弄过去，是一定要不同的题材、不同的影片类型赋予它影像的魅力，才能让大家觉得物有所值，这也是也体现一个摄影师工作操守的标准。
相对于导演话剧舞台上的经验特别好，对于演员的指导和设计包袱是他们的强项，而我从电影学院毕业以及多年工作经验来讲，对镜头的组接和拍摄的手法都有一个特别清晰的做法，所以在拍摄的时候，各取所长，导演和摄影师有很好的默契，在剧组我们每隔几天都会把之前拍的素材简单剪辑过后回看，随着拍摄的进行，大家觉得效果还越来越不错，所以信任感大家越来越增强。这次拍摄现场的创作氛围大部分都是80后为主的年轻人，大家搞了一些手机摄影大赛之类的活动，这样大家每天晚上都还有互动，每天现场的情绪都很高昂，也是在无形当中放松了创作的环境。


从镜头语言上帮助导演将故事说流畅
在这部电影里面，摄影指导不仅仅只是考虑一些跟摄影和光线有关系的工作，可能运镜的方式、镜头的长短，甚至到最后镜头组接的方式都要考虑到。一场戏是需要用一个长镜头来完成，还是无数个短的镜头来完成，这些都要尽量提供给导演更多的可能性。在电影里面有一个长镜头，是展现各个房间里面每个人的状态，把五六个不同的家连在一起，从视觉表现来讲，通过拍摄、剪接，形成一个长镜头，这种镜头显得相对流畅。每个房间里面我们都要以不同的气氛来做不同的效果，比如说打张扬家麻将的吊灯效果，还有大春房间的黄昏的光效。最后一个电脑房间是一个包袱，前面所有的房间都是直轨拍摄，电脑的房间要变成一个弯轨，因为我们要表现出电脑里的画面这个包袱，所以要用弯轨延长电脑画面的时长，对于镜头的设计和打光来说，增加了一定的难度。这个弯轨至少要表现180度以上的一个空间，还要让观众还感觉是一个流动的完整的长镜头。拍这个镜头时候，导演是想把这几个环境一个完整的镜头拿下来，后来我建议导演可以通过墙壁的黑场做一个剪接，因为拍摄一条的长镜头会复杂很多，也会浪费很多的条数，分开拍以后，只要通过剪接连上以后，效果是一样的。所以这些东西，都是需要从镜头语言的表现上，来帮助电影把故事说得更流畅一点。

这部戏的演员，很多都是话剧出身，所以我们也在拍戏当中也是希望表演的力气不要在第一条当中就用完了，话剧是一次性呈现给观众，而电影是一个镜头一个镜头来拍的，往往一场戏的镜头可能今天拍一部分，衔接的另外一个镜头是三天以后才拍，所以对于演员来说要在所有的镜头前保持自己的关注度和兴奋很重要，而不是说在第一天或者说第一两条的时候，就把所有的精力表现出来，这个问题也是我们跟导演和演员经常沟通的。

开拍前分镜其实我们也有做，但是电影最终80%以上都是在拍摄现场大家相互碰撞的结果，因为，这部戏从摄影的角度来讲，如果没有景和演员百分之百的走戏过程，分镜只能是大概的想法和设计，可以做到一个基础的作用。一般来说电影拍摄的时候台词是一个字都不能改的，但是做话剧可能不一样，很可能在现场有一些精彩的想法和台词的细节重新调整出来，这种做法至少对于这种喜剧类的片子是有帮助的，《夏洛特烦恼》好多火花也是现场碰出来的，所以不到现场拍摄的那一刻，根本不知道电影可能到达哪个状态。导演和演员是从话剧舞台上转变过来的，其实他们很强调的是包袱，只有包袱抖好了，这场戏或者这句台词才会有意思，所以我们拍的时候就要考虑好这场戏最有意思的包袱要以什么样的形式表现出来。比如说马冬梅扮秋雅，然后她在天台打夏洛的那段戏，原剧本写的是她在原地用武力打他，但是我们在拍摄现场发现了鼓的存在，导演临时觉得把这个鼓用上，最后变成了马冬梅抓着夏洛的头直接撞到那个鼓上，从形体动作和声音的设计都显得更加丰富。包括夏洛被两个壮汉押到车里面，他指着头说“你找的那个人，这里也有一块胎记？”其实也是一个小的包袱，这个包袱完全是演员在现场找出来的，这句台词并没有在剧本当中体现。
关于电影中镜子镜头的拍摄

马冬梅家里也出现了一个关于镜子的镜头，在这里，我们想通过镜子作为一个载体，把两个时空巧妙的联合起来，完成一个无缝的对接，直接从现在穿越到过去真正的时空，然后到了那个时空之后，再通过马冬梅的划过，又让夏洛再次回到了马冬梅和大春的这个家，我们想多一点技巧在里面，设计好了之后，现场也多拍了很多条来完成最终的合成效果。内容是夏洛第一次去马冬梅家，马冬梅准备给夏洛做茴香打卤面，马冬梅往右边出画之后，机器往前推，推到大衣柜镜子里面，然后缓缓的那个镜子里就变出了夏洛穿越前他跟马冬梅在这个小屋子里的状态。
还有一个是哈哈镜的镜头，这场戏想表现的夏洛回家之后另类的一个状态，通过哈哈镜，这样会从喜剧效果上更有意思，我们现场拍摄中，要找出哈哈镜变化和抽象最厉害那个角度，通过镜头的运动移动出母亲正常的形象，形成较大的反差，最后夏洛出来照镜子，通过镜子使得人物形象在镜子里变形的非常夸张，也增加了喜剧效果。这个其实就是一个文字如何转换成影像的一个表现力，影像一定要超过文字大家才会觉得有意思，如果影像只是复制，其实就是显得一般了。


关于马冬梅小屋镜头的拍摄

小屋这场戏我们采取渐进式的拍摄，从小变大的展现家里的空间，也是想改变视听语言的节奏，希望节奏它能够有长有短。这场戏在夏洛头几句台词当中，让演员的调度和摄影机的运动，有机结合起来，这样显得画面流畅。这个景完全是棚内搭出来的，实拍时，我们把一面墙完全拆掉，只留了三面墙，所以包括轨道从哪里起，演员怎么调度，再移动把前景的砖带出来，然后两个人再绕过沙发，再到拔罐的中心点，整个是通过调度来把这个环境一步一步介绍出来，然后也让演员在完整的时间当中，有一个特别好的互动。这是夏洛完全转变的一场戏，因为这场戏之后他的思想跟之前完全变了。要不是大春的出现，他很有可能就留在这个小屋里了，所以我们在整个40平方米小屋用的力气也比较大。包括前面所说的镜子的使用，通过特技回到过去的时空，尽可能的用视觉语言来代替文字和旁白。

纸飞机镜头的拍摄

我们想把整个的校园能有一个完整的镜头表现，所以我们把秋雅和袁华这两个角色放在学校主楼的楼顶，我们也就把12米的遥控炮搬到了楼顶，完整的这个镜头是：马冬梅一个人往这边跑，问其他的同学夏洛的位置，然后镜头再慢慢的升起，升到校园的主楼，最后慢慢拉，拉到整个的校园带出远处的旅顺港和海面，最后电影还是删减了开始的一部分。那个纸飞机我们在拍摄之前就跟特技沟通过了，我们要增加校园的活泼氛围，这个升降的镜头，用的广角镜头，演员离镜头远，缺乏一个近景的变化，所以就想增加一个纸飞机划过丰富一下画面。

电影的布光和调色的想法

学校的布光强调阳光灿烂的气氛，让大家感觉校园时期的阳光感，让观众进入校园段落时，感受阳光明媚温暖的感觉。夏洛第一次从卫生间穿越到教室里去之后，我们把整个的教室做了黄昏光效，增加它的暖色调，整个光打完之后撒了一些烟，镜头前面也加了柔光镜，让教室的气氛显得朦胧，但是实际上又分不太清是梦还是现实。让观众和演员同步，慢慢从朦胧状态当中递进到现实当中。　然后到了夏洛变成明星之后，阴天的效果会多一点，阳光感就会慢慢减弱。　 在拍不同环境的时候，也希望有一些完全不同的气氛，我们看到夏洛母亲家的时候，给他做了一些光束的变化，光感显得强烈一点让画面没那么平。我们希望能有更多光线、光感参与进来，让大家在银幕上看到不一样的画面感受。

我们在不同的环境当中也有不同的颜色，回忆的段落完全是温馨的，从美术到用光来说都是暖色调，他刚穿越到教室，我们希望他会有一个温暖的气息，所以我们在学校的大部分都走了黄昏暖暖的调子，也希望这个暖调能符合大家很温暖的心情和情绪。随着夏洛逐渐参加春晚当了巨星之后，他的身份变了，其他的颜色就会会慢慢融入进来，有往冷颜色走的一个倾向，所以我们整体的色彩是有一个从暖到冷微妙的一个转变，也希望通过色彩来让观众感受到不同的情绪的表达。