从2013年开始，每年法国戛纳电影节期间都有一个属于安琴的时刻--安琴ExcelLens摄影成就奖。著名电影摄影师罗杰·迪金斯、杜可风等都获得过该奖项。在2018年，安琴首次在此活动中加入了一个特别鼓励，用于鼓励年轻电影人。而首次获此殊荣的就是来自中国的青年女性摄影师张杨珉鸣。电影学院研究生毕业的她，已经拍摄了多部作品，成为国内青年摄影师的优秀代表。



安琴：在制作电影的过程中，作为电影摄影师，您担当着什么角色?
张杨珉鸣：从影像创作上来讲，摄影师是影像的创造者。电影摄影师得随时保持良好的工作状态，为每一个画面负责。从团队合作方面来说，摄影师是导演最紧密的合作伙伴。电影是一个工业，摄影师的角色也是电影生产的保证。

安琴：光学成像在电影制作上有什么重要性?
张杨珉鸣：光学成像其实就是镜头，镜头对于摄影师来说是一个很重要的工具。镜头有镀膜和不镀膜的区分。镀膜镜头，能让你的影像看起来冷静、精确，它会让光线更为柔和。不镀膜镜头，能使影像有老电影的质感，反差小，拥有更多的眩光。每个摄影师的使用习惯、审美都有所不同，这也会直接影响到镜头的选择。除此之外，根据作品的风格和拍摄环境，也会对镜头选择有所影响。例如，在特别冷的环境下拍摄，尽量不要选择纯手工制造的镜头，因为在极寒条件下会增加“跑焦”情况的出现。

安琴：变焦镜头为电影的叙事方式及拍摄流程带来什么好处?定焦及变焦镜头如何帮助你拍摄?
张杨珉鸣：摄影在电影中也是一种角色，代表了导演想表达的思想。摄影的镜头语言在电影中可能是观众的视角、导演的视角，甚至可能是其中一个角色的视角。不一样的角色视角，需要不同的镜头语言，变焦镜头提供了更多的选择。



我通常会选择一组定焦镜头搭配变焦镜头，我在很多作品中喜欢使用肩扛加变焦镜头的拍摄手段。在肩扛时，如果你用定焦镜头移动拍摄，对于画面节奏的改变没有使用变焦镜头灵活，这也是很多导演喜欢肩扛搭配变焦镜头来拍摄激烈运动画面的原因。变焦镜头的推、拉，再搭配轨道的运动，可以做出Dolly Zoom（希区柯克式变焦）的画面，给摄影师提供更多的拍摄方式。例如在狭窄的拍摄环境，如果需要复杂的运镜。我通常会用轨道加上变焦镜头，可以从稍广的景别推到紧凑的景别。在拍摄广告时，因为拍摄节奏很快，也会选择使用变焦镜头。

安琴：安琴镜头在拍摄上如何协助你?安琴镜头在技术上或艺术上有什么独特之处?这个品牌如何启发你创作?
张杨珉鸣：在学校的时候，我用的第一支变焦镜头是安琴的25-250mm，这支镜头有非常强烈的老电影镜头质感。安琴的独到之处在于，在搭配定焦镜头使用时，无论是使用Leica、Zeiss还是Cooke镜头，你都可以在安琴的所有系列中，找到一个合适的镜头搭配使用。现在我的剧组，会常备15-40mm、28-76mm这两颗镜头。

创作上，我觉得安琴镜头比较适合需要灵活拍摄以及纪实类的作品，这能将镜头发挥到极致。6月份我拍摄的实验短片，就只有一个15分钟的长镜头。用了安琴28-76mm这颗镜头，主要采用肩扛加变焦的拍摄方式。在和导演梁欢合作的一个片子中，因为有两个部分的戏，所以采用了两套镜头。一套Leica定焦搭配安琴45-250mm变焦镜头。另一套Cooke定焦搭配安琴25-250mm变焦镜头。我和梁导确实做了很多不一样的尝试。



安琴：您如何定义安琴镜头的特质?安琴在数字化的时代下为使用者带来什么?
张杨珉鸣：安琴镜头在镜头畸变和校准方面做的都比较好。但是我比较喜欢老的安琴镜头，会更具有个性一些。安琴之前也做过定焦镜头，后来选择只做变焦镜头，这让它们的技术水平更加日益成熟。而安琴镜头能做的就是给摄影师提供更高质量的创作保证。

安琴：你是如何适应数字化的转型/过渡?当中面对最大的挑战是什么?而在这过程中，数字化为业界又带来什么?
张杨珉鸣：我完全是一个数字时代的摄影师，我用过一套16毫米胶片的镜头，那个真的是很老了。那个时候的镜头反而没有现在这么高标准，呼吸都很严重。但是我觉得电影人或者这个行业的人，都喜欢新的、不一样的东西。
我觉得胶片对我来说才是一个挑战，有的导演找到我说特别想用胶片拍一下，我只能硬着头皮说可以，回去我先试试。其实也挺好的，因为我们学的曝光技术，其实就是胶片的那一套。包括我现在在片场，我也是用测光表什么的，其实就是检验你的基本功。如果真正换到胶片上，理论上来说这一套都是一样的。

最大的挑战是各个流程之间的衔接不紧密。例如，以前用ARRI拍摄的时候直出MOV格式，到最终后期调色整个流程都很简单，一个人就可以把所以流程都搞定。现在不同厂商的机器有不同的格式。在前期筹备时，摄影需要更多地考虑整个工作流程。包括选择什么格式监看、套用什么LUT、储存什么样的格式、要准备多大容量的硬盘。在剪辑时，要转换成什么格式的代理，最后调色选择什么样的平台。这些过程中，由于各个工种之间的沟通不协调等原因，最终会影响到作品画面的品质。

安琴：您觉得数字化的进程，对电影行业带来哪些改进和推动？
张扬珉鸣：数字化的进程，不光只是对电影行业，对所有人的生活都造成了很大的改变和推进，它使人的视野更为开阔。数字时代电影的门槛降低，更多的人可以学习和从事电影行业，也让电影获得更多的关注。但对于摄影师而言，要求更为苛刻。例如，导演需要一个60分的镜头，在胶片时代可能只有1%的人能实现，现在至少 50% 的摄影师都可以完成这个镜头。如果你想更为精进，拍出90分甚至100分的镜头，你需要有更多的专业知识储备和技术能力。

还有在数字时代，越来越多的人觉得电影是大众娱乐，而不是艺术。这对于认真喜爱电影，认真制作电影的人来说，是一种“伤害“。八九十年代，大人带小孩去电影院会觉得是艺术上的教育，是文化的培养。但现在，家长和小孩都把看电影当成大众娱乐，去美术馆才是提高艺术修养。从这一点来说，电影在艺术领域的位置，有所下降。



安琴：数字化的转型有没有令电影摄影师的角色有所转变?
张扬珉鸣：从一个方面来说，现在摄影师更轻松，因为可以把DIT、调色这些工作都分离出去。但是，一个摄影师想继续在这个行业内生存，想保持技术和艺术的权威性，就需要摄影师在专业知识的储备、包括与人沟通的情商方面，要求更高。在数字时代，导演能马上回看画面，如果出了任何技术问题，摄影师都要在第一时间解决。

对于摄影师而言，不是所有漂亮的画面都是好的。比如，《路边野餐》的镜头语言不在一个体系内。如果是我，我会选择把前面的镜头拍得相对粗糙一些，跟后面的长镜头衔接起来，形成一个完整的体系。很多摄影师都有这种状况，在片场完全被眼前的“美”给迷惑了，觉得这个画面很牛，一定要这样拍才美。但到后期剪辑时，完全不是这么回事。美是相对的，没有一个标准。我觉得现在很多摄影师认为的美，很商业化。那些大师所推崇的，比如杜可风、罗比·穆勒等，他们的画面你不觉得美，但是很有“劲” ，所有他们影像能够一直流传下来。

安琴：对于电影行业及电影摄影师来说，你有什么憧憬?
张扬珉鸣：在数字时代，进入电影行业的人越来越多，反而真正热爱和对待电影的人变少了。我希望能有更多热爱电影，严肃认真对待电影的人能加入进来，这样才能提升整个电影行业的水平。其次，我希望电影能作为一种艺术去普及，让电影成为孩子们艺术基础教育的一部分，而不仅仅是娱乐。

对我自己来说，目前的期许是希望能做更多的尝试，跟热爱电影的人一起工作，能多出好的作品。