从影片的角度选器材——才能作出独特、有意义的影像

技术参数：
拍摄介质：数字拍摄
摄影机：RED EPIC DRAGON
镜头：Lomo Anamorphic，Hawk C Anamorphic，MP，UP，Angenieux 24-290
宽高比：2.40:1
记录格式：6K、大部分 5K R3D 格式记录
压缩比：8:1

拍摄具有超现实主义色彩的故事，需要寻找一种特殊气质，大到拍摄形式、风格、美术，小到选择什么镜头，用什么机器，需要围绕这种气质建立一个辨识度。



影片剧照

《破梦游戏》以赛博朋克作为背景，由韩琰执导，园子温（日本）监制，宋威龙、陈都灵、佟大为主演，使用 RED 摄影机拍摄，通过点滴的制作细节侧面展现这个世界。与普通女性视角电影不同的是，这是一部讲述平凡女孩江涵（陈都灵饰）为找寻父亲死因，无意间坠入名为《万梦千魂》的全系游戏世界，与南极（宋威龙饰）、寿司（张宥浩饰）等人开启了一场冒险“破梦”之旅，透过她的勇敢经历，来展现中国女孩英雄的故事。



摄影指导刘懿增

在影片上映之时，我们与摄影指导刘懿增聊了聊拍摄《破梦游戏》的幕后故事。他将从摄影角度解析如何将剧本影像化，到拍摄器材的测试与选择、打光气氛的营造、低成本制作小技巧，以及摄影师与演员合作等方面，进行经验的分享。

从摄影的角度看剧本——文字影像化

“每个部门，每个人看完剧本都会有自己的感受。韩琰导演是摄影师出身，他对美学、画面和技术，都有自己的品味和控制力，有很高的美学要求和有趣的思维方式，在读完剧本的第一次碰面时，我们就在交流上比较合拍，他给予摄影美术等创作部门很多空间。有机会跟他合作很幸运。”



影片截图

影视工业网：这部影片怎样定下的影像风格，对于它所打造的“赛博朋克”，您怎样理解？

刘懿增：作为摄影师，心里总想多尝试拍摄不同题材的影片，但有很多时候处于被动选择状态。《破梦游戏》的虚拟世界观，我特别感兴趣。这种题材在创作上很自由，它在表现形式上，给摄影师很大的空间。

确立电影风格是拍摄中很重要的一环。很多电影的影像互相之间非常相像，甚至可能我们把一些不同电影的片段截取出来剪辑在一起，也意识不到它是由不同片子组成的。我们一开始想要达到一个目标就是，哪怕只是片中一闪而过的画面，也要让观众记得这个片子就是《破梦游戏》。出于种种考量，我感觉寻找一种粗粝、生猛的影像质感会更加适合这部电影。赛伯朋克这种“软科幻”与高科技的影像感不一样，我希望在工作中能够大到拍摄的形式、风格、美术，小到选择什么镜头、用什么机器，都要建立一个准确的辨识度。





影片剧照

影视工业网：与导演如何沟通，影片在影调上有怎样的思考？

刘懿增：与导演的沟通很重要。他一开始就给我看了他和美术创作的气氛图，比较日系和二次元的感觉，对于《破梦游戏》想要营造的氛围，我们很多观点都能碰撞到一起。不同的影片各自都有不同的标签，比如雷利·斯科特的科幻片《异形》《普罗米修斯》等都是冷色系单色美学。而我们希望《破梦游戏》也有自己的特点。影像基调在拍摄前就已确定，当影片进入游戏场景时，色彩非常丰富饱满，相较之下，现实世界场景的色调较为消色一些，与游戏世界形成反差。





虚拟世界





现实世界

影视工业网：在勘景上，遇到哪些问题？分镜头在影片拍摄中起到哪些作用？

刘懿增：正如导演所说，头脑中的想法很多，但有些很难执行，有时候需要换一种表达方式。拍摄与实际操作挂钩，需要有很多变通和调整，并考虑如何在现有的条件内营造视觉。最开始我们在重庆勘景，有一个场景没有经费支持搭建，后来找到一个陈旧的剧院拍摄，却比之前要搭景的环境更有意思，惊喜也更多。有很好的美术和丰富的场景，摄影师有很好的东西可以拍，是件很幸运的事。





原本不在计划内却惊喜发现的老剧院场景

我们有做分镜头，但是也有很多部分没有按照分镜拍摄，因为很多方案在现场要临时调整。分镜头可以给工作人员提供一个比较清晰的拍摄基础，知道这场戏想要如何表达如何操作。如果遇到刮风、下雨等状况外的问题，在现场随机应变也很重要，另外现场走戏也对摄影师的创作起到很大帮助。

从影片的角度选器材——作出独特的东西，才能有意义

“我比较排斥单一按照某一个品牌占队（摄影机，镜头），设备的新旧贵贱也不和效果直接挂钩，视觉感受是一种综合性的设计：你用了一片滤镜，一种色纸，一米光线，一阵雨帘，一样运动方式……这些都能帮助你实现你要的视觉设计，你要的东西不来自于它是否是新出的一款镜头，是否是新推的一款机器，你要的来自的你的想象，和那些能匹配到你想象的物件。我会综合考虑，器材并不是越贵越好，有时一个看似不起眼的小镜头、或者某一个边缘的设备，却会带来惊喜。如果气氛营造的足够好，手段用的好，都能拍的好。RED 有它的优点和特点，很适合这部电影。所以，找到适合的器材就是对的选择。”

影视工业网：整个工作周期是多久，摄影组有多少人？前期是否给器材做了相关测试？

刘懿增：我们前期筹备的时间很短，大概两个月就投入到拍摄了。影片不是高成本制作，整个拍摄周期 50 多天，开始的成片大概有两三千个镜头。摄影组大概二三十人，灯光组有十几人，人员是浮动的，大场面时候会增加人手。前期测试很重要，拍摄前明确一些东西，后期就是执行和应变。试片是可视化的展示，不仅可以给摄影师自己以答案，还可以让导演和制片人更直观地理解摄影师想要的效果。

影视工业网：通过测试，在选择拍摄器材上有哪些考虑因素？ RED 这款摄影机在拍摄上有哪些优势？

刘懿增：RED 的 COMS 在高光和色域上有它的独有特点，小到高光进光的样子和颜色，都与 ARRI 不一样。ARRI 在表现冷色上，很有它的特点。而 RED 对于暖色和高光光晕，整体色彩感也有独到之处，RED 摄影机和 HAWK 及 LOMO 的变形宽银幕镜头匹配在一起效果确实很好。



RED EPIC DRAGON 摄影机

控制画面亮部曝光很重要，RED EPIC DRGON 官方给出的数据是　16.5+ 动态范围，理论数据与实操的结果不完全一样，对于器材的品鉴拿捏要看摄影师的技术把握。如果宽容度可超过 14 档动态范围，那么对于摄影师来说，这个数值就已经很高了。对于摄影师来说，到底是 14 档还是 16 档不是很重要，但会不会有心利用这么高的宽容度，敢不敢用到 14 档或 16 档很重要。 RED 在暗部的表现力和动态范围给我留下了很不错的印象。







大反差及暗部表现力

通过 RED EPIC DRAGON 的测试发现，它的分辨率很高，在后期时，可以给导演和摄影师留出很大一块调整空间，这个优势非常明显。



RED 摄影机搭配摇臂拍摄

拍摄现场，两台 RED EPIC DRAGON 摄影机是常备的，在大场面时采用三机位同时拍摄。在镜头上，较冷一点的现实场景使用 MP 镜头，柔和一点的画面是库克镜头，而游戏世界，则采用 RED 摄影机搭配 Lomo Anamorphic 老式变形宽银幕镜头和 Hawk C Anamorphic 镜头拍摄，让画面呈现出特别的色彩效果。这是影片色调的明确区分，也是影像与剧作的结合。

影视工业网：为什么选择老式变形宽银幕镜头拍摄，它有哪些特点，想要打造怎样的画面风格？

刘懿增：单纯从技术角度来看，这款变宽镜头不够好，它的焦点中心实，边缘分辨率衰减严重，还有柔焦，加上老式的镀膜技术造成的进光拉丝，这一系列的特点，却表现别有一番趣味。超现实的进光效果是现实生活中看不到的，它让虚拟世界的画质和感觉很不一样，很有梦幻感，我们想多建立这种感觉。







影片剧照

镜头周围散焦、畸变的柔焦效果也是趣味和惊喜之一。比如南极出场的镜头，变焦时光斑打在镜头上形成旋转。这个效果不用老式镜头就拍不出来，因它的特点，和比较生涩的变焦系统，才导致拍摄画面和光斑都跟着镜头一起旋转。



测试影片截图

有时仅换一个镜头，却会让每一分钟画面都呈现出不一样的效果。所以，对创作者来说，有些事情要坚持。

从气氛上考虑布光——雨、水、烟雾与光影共舞

“电影画面是不是活的，要看你是否爱这个画面。在很多小地方，可以用一些小技巧，花较少的钱也可以达到很不一样的效果。”

影视工业网：在“不醒城”五彩缤纷的全息游戏世界中，布光和摄影上怎样配合？

刘懿增：当年《银翼杀手》之所以能成为经典，并不是因为它有多大的成本，而是它有自己独特的气质。我们尽量把重庆往科幻气质上做，会涉及很多需要改造的场景。



影片剧照

拍摄夜戏，常规的吊车和灯笼必不可少，会用到一些闪电灯，以及匹配道具的 ARRI SkyPanel 色彩 LED 灯，还有我们叫“棒棒”的便携式 LED 灯管。“棒棒”可以随时挪动，立刻给予照明效果，对于不同的色彩变化，美术道具灯和色纸用的也比较多。我们有很出色的灯光团队，在实景布好光以后，摄影就有了很大的发挥空间，人物走在氛围中，更自由。有些演员在绿幕拍摄上的经验相对较少，在现场创造出一个气氛对他们入戏也有一定的帮助。

影视工业网：影片中有很多雨水、烟雾，潮湿的场景，它是否给您的创作带来新意？有什么拍摄小技巧？

刘懿增：我特别喜欢雨戏，这一点我与导演不谋而合。影片中很少有单一或干燥的场景，一般不是有烟、雪、雨，就是潮湿，滴水的气氛。很多摄影师都喜欢水元素，因为下雨可以帮助摄影师打开一些想象空间，就像让水溅到镜头前的滤镜上，配合变焦镜头，就能形成旋转的光斑。

在一些大场面的拍摄上，我们要在一个画面中做出不同的烟雾效果，于是我们就用到水烟机、烟饼和烟机。比如烟饼，它在空气中可以留存很久，如果用烧油的烟机，烟雾就会消散的比较快。还有干冰，也就是水烟机，这种烟雾可以浮在地上，几种方法搭配工作，让画面效果非常特别。



影片剧照

影视工业网：在卡珊德拉门前多人的雨中打斗戏份，如何拍摄？

刘懿增：这场戏涉及演员比较多，在现场要先走戏，想好机位和拍摄方式，然后按照这个来执行。周期比较紧，在没有镜头预设的情况下，先带着感觉跟演员互动拍摄一条，有时就会出现很多有新鲜感，超出预期的画面。



RED 监视器中画面



电影画面

我很喜欢手持拍摄，大量的运动镜头都是使用 RED EPIC DRAGON 搭配斯坦尼康手持和肩扛完成，个别镜头采用高速摄影机升格到 2000 拍摄。 RED 摄影机比较轻巧便捷是它的优势，对手持拍摄很友善，它能让摄影师在长时间的拍摄内减少体力消耗。但是，手持拍摄有一个问题，就是供电和特殊环境下会有影响。比如下雨时，对电池和机器算有一定的考验，当时在重庆最热时拍，温度非常高，但整体拍摄都还好，比较顺利。如今拍摄附件比以前要好很多，有各种小的零件装备，拍起来挺舒服的，加上 RED 模块化机身，比较轻便，比以前手持拍摄要轻松很多。

从视觉上聊拍摄——摄影与特效、演员的合作

“从个人角度来看，我尽量不依赖特效。很多摄影师应该都有过被降纬打击过的心理阴影”

影视工业网：与特效部门是怎样合作，如何把控视觉预算？

刘懿增：电影在视觉投入的占比很大，特效预算有限，我们尽量实景拍摄，在前期要做很多方案。“不醒城”外表看似搭景出一个城，正面效果看起来很好，而后面都是空的，从三层开始都是支架，一层有很多置景细节，可以保证人物正常进出，这是一个省钱的办法。

每天收工后，我都会自己给画面截图调色，这是我的个人习惯。DIT 每天回来后，就会给我发原始的画面片段截图，然后我去调色。调出一个还原相对正常的，和一个有一定色彩倾向的画面，第二天拿给导演看。这样他每天可以实时看到一些调色的画面，心里也会比较踏实。我们的调色师朴相洙也非常优秀。我会跟调色师沟通，在原来基础上，做一些调整和变化，让游戏世界辨识度更强一点，画面更饱满一些。



现场工作照

影视工业网：摄影师与演员怎样建立信任，如何让演员在镜头前表现的“舒服”？

刘懿增：在卡珊德拉场景有大量的手持机器拍情绪的镜头，这是一场拍摄很累的情感戏。我印象比较深的是，拍寿司“消失”之前，天空下着雪，陈都灵哭了一晚上。







影片剧照

陈都灵算是新人演员，有时机器距离演员很近，她们就会心存抗拒，甚至会觉得这是干扰。考虑到这一点，为了培养演员哭戏，全部清场，摄影师与演员之间的化学反应很重要，两人之间要有默契，培养一种信任。建立信任后，演员就会很放松，那时的状态也最好。江涵哭泣时，现场不发出声音，甚至不喊开机，手持摄影机提早在录制状态下与演员一同进入情绪，每条镜头都有 20 多分钟，没有 cut，然后在这些长镜头的素材里挑选那珍贵的几秒反应，这也是摄影师与演员之间建立信任的小互动。