多年来，我与无数电影制作人合作过，也为多部影片完成了调色工作，在这个过程中，我会遇到很多创作和技术上的挑战。

但今天，我想来吐槽一下

目前为止，在调色工作中我遇到最最最头疼的一件事情

就是在一个根本没有任何前期色彩设计的场景中，重建颜色对比。

通常来说我会经历如下的糟心过程：

首先，在开始调色前，导演或摄影指导会来参加一个关于影片风格定调的会议，期间他们会与我分享自己的创意，这里面最重要的是他们的视觉参考片。

这些影片，通常是选自某类热门风格的代表性大片

“我就要这个像《变形金刚》一样的OT”

“我挺喜欢《天使爱美丽》的那种红绿调”

“干脆帮我来个《银翼杀手2049》的赛博朋克风“

然后告诉我：“就照着这个调吧！”

坑爹的是….

很多情况，如果不重新拍摄素材，根本不可能达到导演的要求啊哭……

造成这个问题出现的根源几乎都是一样的：

影片拍摄时并没有考虑到和调色相关的任何事情，素材缺少必要的颜色对比。

整个画面通常都是一片暖色，只有很少的(或干脆没有)冷色，缺少对比和互补的光源...

在其他颜色(蓝色、绿色等)上也有同样的问题，这个问题完全限制了原始素材的调色可能性。

无论后期怎么处理，最终的结果都很难有质的飞跃。

我必须告诉他们，为什么不可能或者不建议按照给到的这些影片风格进行调色，即使调了也几乎不能达到他们理想的那个样子。

然后我们开始头脑风暴，想出一个在原始素材的限制下，可行的替代方案。

如果在前期制作中他们有咨询过我(或者其他的调色师、美术指导)，这个场景的问题很容易就能避免。

其实任何后期出现的潜在问题，在前期都可以被扼杀在摇篮里。

更具体地说，比如一些我合作的制片人要求我在后期完成一个，充满活力的、强烈对比的、浓墨重彩的风格，就像电影《春假》那样的视觉感受。

电影《Spring Breakers》截图

虽然对于我自己(或任何调色师)来说，达到这样效果并不是一件难事，但是源素材不允许我这样做。

从技术层面来看，这些素材看起来可能都很不错，都是用RED/Alexa拍摄的，也花了不少预算。

但从场景上看完全是平的，在布景、道具、服装、灯光上都没有任何流行的色彩，几乎没有现成的色彩信息可供使用，场景中贫乏的颜色对比，根本不足以支撑我完成理想的画面风格。

我当然可以尝试在画面上强制的添加一些对比度/饱和度，并在调色台上，将阴影和高光推向相反的方向来模拟颜色对比，但你会发现染色痕迹太过明显，这并不能达到他们想要的效果。

一切都太晚了……

事实上，几乎所有的风格(除了黑白、跳漂以及一些单色效果外)，如果不从电影制作的开始就考虑色彩对比，后期都是很难完美实现的。

可能会有人说我站着说话不腰疼了：“你行你上啊，you can you up”

其实我今天真正想说的是，针对这个问题。我为前期拍摄提出的几个建议。

首先我们要明确一点：相对来说，在调色中去除颜色很容易，但是添加颜色却很困难。所以你需要对影片色彩进行前期设计。

举个很简单的例子，假设你拍摄的镜头是黑白的，你会把这个镜头带到调色师那里，然后把它变成彩色吗?

当然不会（除了一些老片在修复时会把黑白画面进行上色）。

那么为什么你会期望一开始就只有很少颜色信息的图像，能够与一个色彩丰富的参考片相匹配呢?

这显然是不可能的……

我并不是建议所有的电影都应该在拍摄时有意的置入大量的流行色彩，毕竟每一部电影都有不同的需求。

我的观点是，如果有任何颜色需要在后期去强调或者再处理，那么它们也需要在前期拍摄过程中出现。

可能仅仅只有一个或两个关键的颜色需要重点考虑，而并不需要什么颜色都出现。

举个例子，很多电影都会使用互补颜色关系作为色彩方案。拿典型Orange & teal影片风格来说，一般场景中的服装、布景、和道具都会有很多橙色和蓝色的元素，并且贯穿始终，这种色彩设计在影片的视觉DNA中是根深蒂固的。

所以提前的色彩设计是必要的

那么，在为你的电影完成色彩设计后，如何确保执行层面不掉链子呢?

有三个基本的问题需要注意:

1、将色彩设计落实到拍摄的每一步

如果你是导演，当你和摄影师、调色师对色彩方案进行了提前的设计后，你还需要确保团队中每一个环节和工作人员在拍摄时，都能够把色彩方案落实下来。

等到你的素材送到到调色师那儿时，大部分繁重的工作应该已经完成了。

而不是很多人吐槽的“前期不够，后期来凑”。

你需要与你的摄影指导、美术指导、化妆师、道具师等涉及到场景颜色的人员，交代清楚你的想法，并明确你的意图。

如果你有一个设计好的色彩方案，那就做个纸质的手册，和你的团队分享一下。并告知团队的工作人员，在执行自己的具体工作时，如果与设计方案产生了冲突，能够及时意识到并作出沟通和修改。

你需要确保团队中的每个人都在制作同一部电影。你的方向必须是连贯的，这不仅适用于项目中那些显而易见的事情(故事、表演等等)，也适用于其他任何事无巨细的事情，包括颜色。

2、使用灯光来创建颜色对比

无论你在前期做了多少颜色上的设计和规划，但某些场景总会由于场地、时间等限制达不到预期的美术要求。

这个时候你就要格外留心 了。

例如，你可能会在灯光昏暗的房子里拍摄一个夜景，并要求你的演员穿白色或者相对柔和颜色的衣服。

你希望能够制造一个充满活力的视觉风格，但在这个场景中的布景、道具颜色都相对单一，不够具有活力，你也没有足够的时间和人力去调整，和明显场景的颜色和你想要的风格产生了冲突。

那你该怎么办?

在灯光上下功夫

在任何场景中，你都可以通过调节不同灯光的色温(更不用说使用彩色滤光片）来创造尽可能多的颜色变化。

使用彩色滤光片拍摄的人像

这是特别有用的，当你拍摄一个演员为主体的镜头时，如果没有一个温暖前景，或者冰冷后退的真实光线在背景中作为点缀，你就会发现，画面中唯一饱和的颜色就是你的演员的肤色。

你可以想象，这样的场景看起来有多么糟糕，饱和的肤色占满屏幕有多难看！

通过使用不同色温的灯光，你可以创建一个更有富有活力的视觉风格。也不必把所有元素饱和度都做的很高，演员的肤色和饱和度也能够控制在合适的范围内。

3、慎用廉价ND滤镜

从我的经验来看，刚才说的前两项是在现场拍摄时获取色彩对比的基础。除此之外，你还需要确保自己辛苦设计的场景色彩关系，能够被摄影机正确记录下来。

特别要注意的是，一些镜头滤镜会为此带来很大阻碍。

如果你用过廉价的ND滤镜，你应该知道由于滤镜的颜色变化，会导致场景中的颜色也发生不小的偏移。根据你所使用的不同滤镜、场景中的固有颜色以及设计好的色彩关系很容易被改变，从而给后期造成很大的麻烦。

经过廉价ND滤镜拍摄下来的画面，很多时候即使经过后期处理，也很难再次得到完美的色彩平衡。

4、小心红外线（IR）对摄影机的影响

所有摄影机在一定程度上都容易受到红外线污染，但有些摄影机受到的影响会异常严重，这取决于传感器以及在摄像机中是否有内部的IR-CUT双滤镜，

注：IR-CUT双滤镜是指在摄像头镜头组里内置了一组滤镜，当镜头外的红外感应点侦测到光线的强弱变化后，内置的IR-CUT自动切换滤镜能够根据外部光线的强弱随之自动切换，使图像达到最佳效果。也就是说，在白天或黑夜下，双滤光片能够自动切换滤镜，因此不论是在白天还是黑夜下，都能得到最佳成像效果。

很多人可能会认为红外线就是一种人类肉眼看不到的光，但是这种光却可以在数字传感器上显示，并导致某些颜色的最终图像呈现不准确。

红外线污染通常被一些ND滤镜放大。总所周知，ND滤镜可以使大部分的”好光线"都进入你的传感器中，但与此同时，红外线会更容易穿透你的传感器。

比平常更多的红外线进入到了摄影机传感器，最终造成画面黑色看起来是品色，以及其他各种颜色转换的一系列问题。并且这些问题在后期调色中都很难完美得到解决。

即使你买一个IRND滤镜(可以削弱红外线的ND滤镜),你可能仍然不清楚，你的滤镜会对你摄影机传感器削弱多少红外线。

这就是为什么像Ursa Mini Pro 4.6K这样的摄影机，会有他们自己的IRND滤镜，因为这些滤镜是专门为它们自己的摄影机校准而使用的。

遗憾的是，目前为止，还没有一种IRND滤镜能够与任何摄影机传感器完美的配合。

所以重点不是你不能使用ND滤镜，你当然可以!

只要确保你用你选择的滤镜/和摄影机设置做了足够多的测试，确保你想要记录下来的关键颜色没有偏差和丢失。

谁也不希望自己花了几周或几个月的时间做的准备，到最后却因为用了一个很坑的滤镜，导致功亏一篑。

假设你确定了我刚才列举的所有事项都没有问题，那么我相信，你所拍摄下来的这些素材，再拿到调色师那里时，可以有更多样的风格和方案供你选择。

同时也能够给到调色师，更多的信心！

给后期多一点爱吧，么么哒。

原作者：Noam Kroll

原文链接：http://noamkroll.com/why-color-contrast-is-essential-for-the-cinematic-look-how-to-capture-it-on-set/ 

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