20181123/学习打卡第一百三十六天+摄影构图学

美国/ 本·克来门茨、大卫·罗森菲尔德（摄影构图学）/第一章/1.1、1.2、1.3小节

第一章艺术和摄影

摄影，已经成熟了，而且已经成为了一门艺术。

这一提法，不免会引起那些纯粹派艺术家的反对，他们会认为这与实际不符，至少言过其实了。他们说，摄影是机器的产物，而艺术是和机器毫不相干的。

他们说：艺术是人类对生活所产生的感情反映在视觉上的一种表现形式，而机器却毫无感情可言。只有获得充分的自由，对题材进行改变、组织、扬弃和鉴别，从而形成一个全新的形象的时候，才能产生艺术。至于摄影家，他们说，只能记录他面前已经存在的事物，他可能做的只限于调整相机，等待自然光的变化或者布置人造光，选择拍援角度，更换镜头以改变透视，如此而己。

一.艺术形式的不断变化

上述论点难以服人，而且是会引入歧途的，艺术概念本身就清楚地证明了这一点。历来，艺术就是和某种材料以及操作工艺分不开的。当然，在古代，人们只能使用当时已有的材料和方法。

几千年来，人们学会了从植物和矿物中提取各种颜料，用水和胶或油和漆把它们调合起来，然后用画笔把这些颜料涂在物体的表面而作成了画。

而且，艺术的形式也是不断变化的。富于进取精神的探索者们不断地实验新材料，他们势弃了旧的工作方法，恢复一些古老的工艺。近年来，在美术创作中引进了许多新的东西，像丙烯材料、拼贴画、多种材料的组合雕塑、结合环境的美术设计和偶发艺术派的作品等，这里只举很少几个。

艺术之所以成为艺术，与它所用的材料和工艺之间，只有一部分关系。它的最重要的特点还是在于艺术家从题材中提取基本视觉美点并以感人的方式再现它们的才能。

画笔、颜料、蚀刻针、颜色铅笔和打样机仅仅是艺术家的工具。它们不能保证艺术创作必定成功，正像丁字尺和三角板不能保证产生优秀的建筑一样。它们作为艺术家手中的工具，可能有助于产生艺术品，而在笨伯手中只能画出毫无意义的涂痕。

对于相机来说，也是同样的道理。作为一种工具，它可以帮助艺术家创造出某一特定的艺术品。如果放在一般人手中，不论此人技术如何高超，知识多么渊博，也不论他怎样精心操作，还是创作不出艺术品来。因为可以说：相机是一种能够反映使用者思想的灵敏工具。

学习绘画和雕塑的人，要花很长的时间去练习技巧，包括素描、作画和造型，然后才能掌握表现自己的艺术思想的方法。此外，还要加深对艺术本身的理解，否则，他们的作品只不过是对人物、地方和物体的简单的记录罢了。遗憾的是，许多艺术家过分致力于发展他们的艺术手段，而完全忽略了艺术的最终结果——这就是艺术的表现力，它才是艺术的真正作用。

学习摄影的人，也需要用多年的时间，去掌握摄影技巧，处理光线，熟悉相机性能，胶片特性和冲洗工艺。许多人达到这个技术水平以后就满足了，便去从事摄影活动，他们也拍出了高质量的，忠实于原物的照片，满足了职业上的需要。另外一些人则不甘心功利上的满足，而是醉心于探求艺术的奥秘。其中有相当大的一部分人已经卓有成就，受到同行艺术家、博物馆、展览馆、私人收藏家和工业界的重视和好评。

自从人类开始重视绘画、雕塑和美化环境以来，每次关于艺术的讨论，总不免要引出一个使哲学家们一直为难的问题：为什么一件作品可以称为艺术品，而在许多方面都和它相似的另一件却不是？人们提出过许多理论和解释，但随之而来的却是同样多的争议和反驳。

这个问题的关键是从根本上混淆了以下三个方面：

（1）艺术和自然的异同（2）视觉形象思维和文字概念的区别（3）艺术和手艺的关系

二.艺术和描绘自然

十四世纪以来，人们开始探索用科学来解释人类的每一个活动。艺术家们也随之对大自然作了仔细的研究，并不断地用更为符合自然和科学的内容来充实自己的作品。解剖学、透视学、光线、三度空间甚至衣服的皱褶都受到了极大的重视，以至于老实的观众得出这样的结论：艺术就是要模仿自然。这就是当时人们理解作品和判断作品价值的简单方法。丝毫不差地再现主题就是佳作，稍有违背就难逃劣作之嫌。

这种科学地观察和描绘自然的活动，到了十九世纪末期到达了高峰，这就是印象主义绘画。印象主义画家在表现五光十色的光线方面极为成功。人们能从他们的画里判断季节，判断一天里的某个时间和当时的天气情况。

大约在同一时期，摄影术发展了，并且得到广泛应用。过去几个世纪许多艺术家苦苦追求的事情，现在这个“小黑盒”轻易地就办到了。它能捕捉所有的细节和所有的层次，甚至连自然界存在的所有不愉快的东西都能摄入无遗。这个了不起的发现，使任何一个人都能相当轻松地拍出一张照片。

艺术家们摆脱了如实记录的重担以后，便转而探索艺术的更本质的特征。通过探索，他们在艺术和自然的关系方面得出了一些重要的结论。

自然界有它本身的美，并不在于人们是否去捕捉这些美。但表现自然美的照片却不能自动成为一幅美的作品。

一百年来，纽约中央公园一直受到居民和来访者的喜爱。它那山、石、树、木、曲径、平湖，无不婀娜多姿，引人入胜。它是人们在喧嚣紧张的城市生活中就近休憩的宜人之处。甚至周围那些不断加高的楼群也相映成趣。

多少年来，中央公园一直是千百幅优秀绘画和摄影作品的灵感源泉。其中很多杰作送陈各博物馆，深受赞赏。

这几个题材的本身者是很美的。但这几幅照片，即使聚焦清晰、曝光正确、印放得当，却依然缺乏趣味。无论是剪裁遮挡还是增添什么景物都无法弥补拍摄时所缺乏的东西——那就是题材固有美之外摄影家心目中所认识所发现的美的因素。

当我们拍摄很美的人工制品时，也会遇到同样的伤脑筋的问题。

中国瓷瓶是古代瓷器的代表作。它的造型、表面和釉彩都达到了人类可能达到的完美境界。

法兰克伊利斯库曾任全国雕塑学会主席，他是颇受推崇的一批雕塑专著的作者。他的铜雕被用来装饰政府大厦、办公大楼的门廊、银行和私人宅邸。伊利斯库先生的作品“象棋”，脱胎于腊制的原物，初模是银作的，最后用金包铜完成，相当华丽。

有一个时期，当城市摩天大楼被指责为难看的玻璃笼子的时候，迈斯范德罗设计的纽约西格拉姆大楼就已得到全世界评论家的一致好评。它那绝妙的空间安排，巧用铜料装点出来的色彩和质感，壮丽的广场，一直吸引着很多摄影家拍摄优秀的照片。

同样，我们面前这些照片，堪称题材美、聚焦、曝光、印放技术都很高超，但却并不动人。像前面的例子一样，摄影者头脑里缺乏生动的艺术构思。

相反，通常看来并不美的自然景色、人和物却能拍成很美的照片。

对于这些照片，我们要撤开画面的感人之处，去回忆一下，当时在平常环境下看到的这些题材，确实不特别动人。然而，如果艺术家把他内在的想象力和娴熟的技巧结合起来，用这样的题材也能拍出美好动人堪称佳作的照片来。

三.艺术和抽象的视觉美点密切相关

并不是说，题材丑陋反而能保证拍出成功的照片。美的题材经常能产生美的照片。问题的关键是，艺术效果完全取决于艺术家是否从这个题材中发现了和感觉到了抽象的视觉美点，以及处理它们的能力；经过这番处理观众才能看到艺术家曾经看到过的东西，激发出和艺术家同样的感情。

按照艺术家的观点，自然存在的事物无所谓美和丑。正是艺术家，才能有能力发现美的本质，并把它展示给人们。

现在，问题明确了。艺术品的质量和自然物的面貌关系很少。

题材里固有的美并不一定等于照片是动人的。艺术品是由某种抽象的美点构成的，它和机械地模仿自然是两回事。惟妙惟肖不能作为艺术品的出发点，也不是评价艺术品的标准。事实上，效果最好的照片，是既不违背自然形式，又力求高度简化，敢于大胆处理线条、色调、形状和质感的那些作品。艺术就是汲取这些最本质的视觉美点，使之处于突出地位，剔除那些妨害中心思想的成分，或使之处于次要地位。

这类视觉美点，在我们周围到处都有，占我们日常生活的比重很大，以致我们大多数人竟然对它熟视无睹。每一个题材，不论它是平淡无奇还是宏伟壮丽，它都包含着几乎无限量的视觉美点。有时它只存在片刻，稍纵即逝。有时它藏在极普通的外表下面，貌不惊人，难以辨认。事实上这隐藏着的视觉美点才是真正神奇有趣的东西。

从题材中发现这类线条、色调、形状和质感，把它们纳入取景器，以摄影家完全满意的方式加以处理，随后制成照片，使观众对这些视觉美点也能一目了然。这就是构图的全部内容。

虽然有时候照片里看到的东西难以解释，简直象是魔术一样，但有许多东西仍然是可以弄清楚的。有些摄影家生来就是很敏感，他们能在看来无所作为的地方一下子发现奇迹。有些人需要经过一番启发才能认识潜在的视觉因素。然后也能不太费事地发现它们。大多数人则必需给以系统的教育，提高他们认识视觉美点的敏感性，用这种方法培养他们的辨别能力。