许：

17年10月开始拍。没有调研期，第二天直接开拍。一年半的拍摄周期，主体一年内拍完，半年后补拍，再花一年半剪辑。

初剪有给不同的老师看，定稿是老师在北京实地指导。

廖：

12月2-6号跟导演一起剪片，剪的是从纽约开头的版本，许导把所有能用的都放了进去，是完整的版本，情绪、地点都有。这片子什么都谈到了：大拆迁、时代变化、小孩背景、弱势家庭、体育励志，能看到小孩背后的社会背景。但太完整了，就是纯纪录片了。事件是不是需要那么多？哪个角色为主？我把片子大架构规范出来，让整个片子的角色、架构具体一点。

许导说，因为想在爱奇艺播，所以从纽约开头。但做成电影和为爱奇艺而做，影片会是两种不同的形态。

主持人：超大素材量怎么处理？三机拍摄，剪比较难？700小时600t素材。

许：

场记单很详细

主持人：

是规范的流程

廖：

最后版本还是偏向电影，故事慢慢roaming出来。

两个小孩就能很清楚说明故事。

一开始的剪辑版本像电视架构，总想吸引人家，但做成电影、为影展服务的片子，会是从头开始讲故事的方式。最后确定，两个角色进北京，再带一点背景。

许：

片子感动人的是人性上的美。小孩子很纯真，小双、马虎主人公性格反差，增强了故事性。能看到教练为别人付出。

赢了比赛的场景也有拍，但如果重点落在讲比赛，就纯粹聚焦在事件，另外是一种重复。

廖：

纪录片的话，导演一定要有观点，过程很重要。剧情片则是从人物、故事进入，看到人物本身的努力，因为她们自己的行为，感动所有人。

两者架构不一样，所重视的不一样。纯纪录片剪导演想表达的观点、概念出来更重要；剧情片则是人物的动能比较重要。纪录片里，导演直接表达对社会的概念，故事稍微隐性一点；剧情片则是借由人物去说故事。

《棒！少年》兼顾了两者，是一种重叠。

我在独立台北师大教书，教编剧。建议当剪辑要去读编剧，剧本分析，人物分析。其实所有拍电影的都要懂剧本。另外建议摄影指导、美术指导、副导演、做音乐的都去参加剪辑，从头跟到尾，从初剪开始一直跟。剪辑是剃掉错误，做浓缩的工作。比如一个副导演跟一下剪辑，对自己展开工作会更有数。

主持人：

背后站很多人会不会剪不出来？

廖：

会。一般就导演和拍摄制作团队跟剪辑沟通。

许：

用的Fs7、A7s2。头两次助理拿着杆，第三次拍摄有独立录音师进来。

两位年轻的摄影师，威海、小姜双机位拍，正反打什么的。我也有一台机器。我们每天过素材，过完了一点多，是跳着过。

排练、比赛怎么拍，在一定时间内不停试错，一两次后，第三次开始，合作就很默契。比赛会有四个机位。

师爷和马虎隔空对话：马虎我拍，师爷和小朋友训话的场景，两个摄影师拍。

独立录音，前期有时码器，但三四个机位就没有时码同步，靠人力对音频，潘若男小朋友两三个月解决掉。

场记单同步做，也花了两个月。接着纸上剪辑，放空，只按纸上剪辑思路铺上去，再根据成型的结构做调整。初剪四个小时，四个人物，还有大宝和李海欣。然后删人物，做了两种结构，各两个小时，四十多个版本的剪辑，也是这个时候的调整。跟着不同角色的视角，不停地试。跟其他导演和剪辑没必要那么多交流，试出来再看。

这个过程解决很多我自身的问题，对人物有了背后深层理解。对人物的理解，需要换位思考。三个教练各自的想法是什么，小朋友的想法是什么，70岁左右老人的想法是什么？素材表面传达的是一回事，需要绕到人物后面，对人物真正理解了，才能对素材做相对准确的判断。

许：

年前定版，今年上半年最后一个版本，相当于两年时间做定剪，像是做雕塑，怎么快速塑形？怎么融合？

廖：主要看比例对不对？

比如看完觉得比赛应该多一点，练球应该多一点。这个版本人物位置是对的，比例不太对。改完最后一版导演版，看到比例竟然也是对的。

影片结尾，剪辑助理在马虎唱歌结束后加了小双的内容。她分成了两场，看着有点怪，但剪辑上处理一下，情感融在一起就好了：马虎唱歌，配小双画面，到走向大伯，到小双可爱的画面，安静一下搭音乐，这样融在一起，更煽情。

看完观众会有疑问，小双到底回去没有？

许：

小双回去了，这有助于打破他自己的情绪困境，从他给自己的困境走出来。

比赛拍了好几场，没有赢，最后输掉，很多细节可以表达。纪录片会是各种完整的呈现。

廖：

观众眼光在角色本身。

有对学生夫妇做的剧情片，动作激烈，为什么我一点都不感动？觉得除非剪辑师是剪纪录片的。一问学生老婆果然是剪纪录片的。因为纪录片剪辑师很容易沉浸在剪辑过程跟概念上的东西里，比较少注意到镜头跟镜头之间情绪的转接、人物的情感、情绪、情节、跟观众的互动。

小双和马虎，出场，发展，高潮比赛失败，家庭背景，结尾，是有情感上的逻辑。

主持人：

许导的十年影像创作分三个阶段：最开始是拍事件不是拍人物，比如《妈妈与村庄》：妈妈跑来跑去，展现社会面的状态，人物不够立体。村长抓谁做什么，很有料，但人物不立体、没有完全地追踪。但是剪辑很好看，剪得完整。后来拍事件跟人物。最后拍人物，完整、从头到尾的人物。这就是完整的剧情片。

许：

十年了，面临的问题是一样的：产业、行业还是那么小。

决定影片的，是议题、切入口和呈现方式。如果直面社会议题，还是遇到那些问题。（审查？）换一个切入口，用人物去呈现社会议题，很多东西成为背景，做这样的尝试。

三个剪辑指导差不多同时提意见，顾问还有周浩和顾桃。片子会告诉你对还是不对。

廖：声音上可以声画同步；对位，用这里的画面贴那里的声音；或者创造一个声音。根据角色的情感来，看观众读到什么东西，根据这个使用不同声音。制造有空间的情感。

许：打桩机的声音，结合工地画面，加上小朋友的状态，不用说很多，画面和声音就交代了信息。

马虎骂教练，教练骂马虎，不是死对，一句对一句，重心在马虎身上。

跟四个人物，给后期留足够的空间，避免后期发现这个人物很重要，但没有跟的状况。拍摄时把自己放空，不要有太多前期设定，尽量减少主观判断，让线索完整，后期再决定哪些要哪些不要。

时间线：四月马虎回家办身份证、护照，正月十五小双回家。

廖：

中影当导演，30天拍完就要进后期，开机到上片只有55天。前面累积的情绪没来得及消化，昨天拍的今天剪，对画面没办法做不同的解释。情绪一样的，被凝固的设定的情绪，没办法有剪辑的自由，去面对这些画面，记忆抛不掉。对画面要有距离，没距离是非常危险的。对剪辑指导来说，记忆要好，记忆也要能忘。把刚刚为什么要这样剪忘掉，忘掉刚刚坚持的概念。反复问自己为什么剪这些画面，才最重要。剪辑要学会跟自己对话，我为什么要这样剪他，让画面自己告诉你。要抛开你执着的概念、为什么剪他的理由，让影像自己告诉你为什么。有时候忘得太狠，甚至觉得自己失智。

可以记笔记然后忘掉，也可以打坐。忘掉之前的剪辑思路，让影像告诉你它是什么。

许：

我们跟教练的心情差不多，对小朋友期待比较高：是不是可以更努力一些，成长更快，融入更快？小双可以更坚强一些？李海新能否快点度过天真可爱的阶段？大宝也是。

我们会无形赋予很多想法、人为设定太多期待。小朋友的状态，今天好一点，明天又回去了。拍久了会容易掉入日常循环，掉进去出不来，看不到成长。成长不是硬拉出来，不是提出来的。要用现实影像把人物拉下来，让他不要飞了。教练说，人的成长是潜移默化的，得自己理解、认知到小朋友的成长是什么。拍鸡蛋表达的是一种存在，拍蛋变鸡则表达的是生命。

马虎几个月后样貌不一样了，看影像，刚进棒球队，进去一阵，去中山、去美国，样貌都不同。现在喉结出来，变声了。

主持人：

成片比特别大、素材量特别大，怎么跟导演合作？

廖：

建议导演剪出一个拍出所有画面的版本给我看，哪怕三四个小时。导演会过度解释自己的片子，避开缺点，过度修饰，让人物没有那么完整。要看到不同时段档案，才能看到所有过程。我往往会回到最早的画面，才能看到导演的意图，剪完的版本，反而原始意图看不清楚。

如果有没拍到的地方，缺了的场景，需要回到剧本去处理。情感的空隙是什么？找演员的表演去填补。《踏雪寻梅》女主阳台上唱歌，就是我要的，不是导演想要的情感。

悲情城市：

两百场的本子导演只拍了一百场，说太啰嗦

诗化的处理，用唐诗理论去剪他，因为枝节细节都没有。

这样观众能主观上参与接受人物，情感上有互动。

主持人：

如果人物之间没有什么联系，情节逻辑性不强怎么办？

廖：

用观众感觉去分人物先后。不一定逻辑上，可以是味道上的关联。每个人状态可以是承前启后的感觉。情感有先后，会是另外一种味道。主要诉求对应观众主观设定，用情感逻辑来剪，观众自然会有前后次序的感觉。

举例1:

枯藤老树昏鸦（冬天的状态）

小桥流水人家（远景）

古道西风瘦马

古诗让观众自己脑子里出意象，主观去感受。剪辑也是诉诸于观众情感上的感受去剪辑。

举例2:

悲情城市：

梁朝伟回来

素芬看到他，昏倒了

然后说梁朝伟在台北什么遭遇

情节的逻辑：

医院分别

梁北上

228事件

回来见素芬

设定在角色情感上的逻辑：

新素芬写信：他北上会不会危险，表达担心

这时窗外有人吵架

其实是228事件，很多人吵医院

然后梁回来了

根据剧中人的情感来剪。一个是他说什么，转话里提到的场景；一个是不讲话，转场景到家里。这就是情感逻辑：描述角色没有说出来的情感。通过情感逻辑看到角色的变化，画面跳动也比较厉害，很新鲜，让角色情感带着观众走，观众主观去看影像，控制观众感受的美感。

如果按情节的逻辑，观众是被动的，就没有意外。

一个是被动告知，一个是主动去发现的状态，这是诗学的理论。

通过角色情感面去拉线条，而不用情节去设定，情节如果拍得少或不完整，如果按情节来剪，会跳来跳去、剪得支离破碎。

主持人：

和拍摄对象的距离？

许：

签署肖像授权

打架：教练在旁边，可控。我们人多，双机位，阻拦的时候另外一个机器还在拍。后期很克制，意思到了就好了，观众能感觉到就好了，没有展示得太裸露。

跟拍摄对象会保持距离，只是同时经历了生命的一段，不拍摄的时候会很少联系，不愿意拍摄行为对他人生产生太大的影响。不是拍摄过程影响拍摄对象，是结果影片播放影响拍摄对象

廖：

导演是敏感的动物。不要尝试说服导演，用影像去说服导演，很快判断对错。不同版本直接对比，没必要辩解。

吃饭就是了解导演的过程：想法、属性、性格、状态，一起工作自己也轻松一点。

主持人：怎么形成自己的剪辑风格，是否需要形成自己的剪辑风格？

廖：

三十七八岁，做过思考风格测试：浪漫型，理智型。。。结果所有型号都是第二名，一样的分数。很多年后才明白，是工作上的需要，需要跟导演同步，所以剪不同风格的影片。要了解你的导演，了解他的风格：同理心要很强，知道导演在想什么。

恐怖分子和恋恋风尘同时报金马奖，两个月同时剪。白天剪恐怖分子，晚上剪恋恋风尘，第一场恋恋风尘剪完看起来很恐怖。后面还是先剪恐怖分子，再剪恋恋风尘。最好一部剪完再剪另一部。

试过金马影展80几部影片三周看完，回想发现没有混在一起。这有助于面对不同的片子。所以建议同时看大量片子；另外要学会适应快速切换情绪感觉；第三需要遗忘之前的，专注当下的眼前的片子，完全专注。

最多时候同时剪三个片子，三个房间跑来跑去。

其他：

廖：

音乐：

世界名曲，版本不能使用。重新找人演奏比不过原版？没有预算？还挺失落。不加音乐来剪，用画面本身的韵律。前面音乐太好，可能会给一个错误的情感。对音乐要有品味，对音乐进入的形式要有看法，从哪个点出。培养对音乐不同情感的判断跟品味。

剪声音：

虽然当时同步，要想象声画可以分开。单独处理声音和画面，创造你要的氛围气氛，不要认为她们两个同步，就只能同步剪她们。合起来、分开用、单独反过来用......对所有可能性保持清醒，都设想到。不要给自己限制，让影像、声音自由，合起来确是我要的，就这样操作。

多机位剪辑：

哪个情感跟哪个机位的镜头对上，镜头挑选会非常严格。剪辑要非常主观，做创作者的主观判断；也要非常客观，准确跟观众同步。

驴得水

舞台剧改编，对角度要非常敏感，因为要舞台平面的感觉，需要避免斜45度角度的使用。

关于演员：

不是演员演不好，可能是剪辑的问题：剪辑要有非常强的同理心，对演员在片中的角色任务要非常敏感：演员展现的魅力、心情的变化、跟其他人的对话怎么呈现？用什么形式去切对面的反应？最完整的表演精髓怎么出来？需要剪辑做好工作。